백토의 고장인 강원도 양구에 집을 짓고 살고 있는 부부 공예가 김덕호, 이인화 작가를 만났다.
순수함과 정직함을 상징하는 하얀 흙에 매료된 두 사람이 서로 의지하며 빚어낸 백자에는 직관적인 아름다움이 담겨 있다.

집 안 곳곳에 낸 창을 통해 계절의 변화를 느낀다.

백자에 투광성을 부여한 이인화 작가의 작업.

강원도 양구는 박수근 화백의 고향이자 조선 왕실 도자의 주요 재료인 백토의 고장으로 박수근미술관과 양구백자박물관 백자연구소가 위치해 있다. 김덕호, 이인화 공예가가 이곳 양구에 둥지를 튼 이유도 이 때문이다.

서로 의지하고 도우며 최상의 작업물을 창조하는 부부 공예가 김덕호, 이인화 작가.

양구와 인연을 맺은 건 지금으로부터 7년 전, 서울대학교 미술대학원에서 도예를 전공한 부부는 캠퍼스 커플이었다. 졸업 이후 여느 대학원생들처럼 서울에 작업실을 마련해 작업에 몰두하던 중 서울대학교와 MOU를 채결해 운영되고 있는 백자연구소를 알게 되었고 연구소의 연구원이자 레지던시 작가를 겸하는 프로그램에 참여해 두 지역을 오가는 생활을 약 5년간 이어갔다. 

원도 양구 박수근미술관 예술인촌에 자리한 부부의 작업실 겸 집.

기물을 깎고 닦고 빚는 데 사용되는 다양한 도구.

“사실 공예가들이 재료의 원상태를 보는 것은 극히 드물어요. 보통 비닐에 패킹한 정제된 흙을 접하기 마련인데, 연구소에서 자연 그대로의 백토를 가지고 연구하는 과정에서 백토의 매력에 더욱 빠지게 된 것 같아요.” 부부가 입을 모아 이야기했다. 서울과 양구를 오가는 생활을 하던 부부가 양구에 직접 집을 짓고 본격적으로 뿌리내리기로 결심하게 된 이유가 궁금했다. 몇 해 전 예술가들을 영입하기 위한 정책으로 양구군에서 박수근미술관 부지에 예술인촌 명목으로 부지를 조성했고, 타 지역에 살고 있는 작가를 대상으로 좋은 조건에 필지를 분양한 것. “까다로운 심사를 거치기도 하거니와 저희는 젊은 작가에 속해서 사실 큰 기대는 하지 않았어요. 그런데 덜컥 통과한 거죠(웃음). 저희 옆집으로는 박수근 화백 후손들의 작업실이 있고, 위 부지에는 서예 작가님, 동양화 작가님, 조각가 등 다양한 장르의 작가들이 살고 계세요.” 이인화 작가가 설명했다. 

수채화 작업을 위한 방으로 창틀은 반려묘 진주의 지정석이다.

작업에 몰두하고 있는 김덕호, 이인화 작가.

작업에 몰두하고 있는 김덕호, 이인화 작가.

도심에서의 생활과는 확연한 차이를 보이는 환경에서 누구보다 작품에 몰두하는 시간을 보내고 있는 이들 부부는 따로 또 같이 각자의 특성을 살린 작업을 하고 있다. 이인화 작가는 백자만이 갖는 투광성을 극대화한 작업을 선보인다. 기물을 만든 다음 물레에 올려 기벽의 일부를 극도로 얇게 깎아 백자토의 투광성을 표현하는 작업을 하고 있다. “잘못 두드리기만 해도 부서질 수 있을 만큼 굉장히 예민한 과정이에요. 옛날 조각보에서 영감을 받았는데, 창가에 걸려 있는 조각보에 그림자가 지면서 더욱 진해지는 패턴을 표현했어요. 아침에는 해가 집 안으로 깊숙이 들어와요. 그러면 백자 안에도 해가 담기거든요. 시간의 흐름에 따라 변하는 빛이 제 작업을 비추는 모습을 바라보고 있으면 하루를 더욱 실감나게 느낄 수 있어요.” 

인고의 시간을 견디면서 한 겹 한 겹 깎아내어 형태를 만들어낸 김덕호 작가의 작품

이인화 작가가 외부 환경의 변화가 완성된 작품에 미치는 다채로움에 흥미로움을 느낀다면, 남편 김덕호 작가는 작업 과정에서 변화하는 모습에 집중한다. 그는 도예의 전통 기법 중 하나인 열리기법을 주로 사용하는데, 이는 서로 다른 색상의 점토를 마치 페이스트리를 층층이 쌓아올리듯 겹친 덩어리를 물레에서 돌리며 다양한 문양을 만들어낸다. 무수한 실험을 거쳐 특정 패턴을 만들어내지만, 우연적으로 탄생하는 부분도 있기에 그 재미가 쏠쏠하다. “작업 과정에 있어 변하고 흘러가는 과정을 바라보고 있으면 그 모습이 정말 흥미로워요.” 김덕호, 이인화 작가는 서로 사랑하며 평생을 함께하는 동반자이자 의심의 여지 없이 신뢰할 수 있는 유일한 동료다. 앞으로 이들 부부가 백자를 통해 전할 아름다움이 더욱 기대된다.

SPECIAL GIFT 김덕호, 이인화 작가에게 증정한 끌레드뽀 보떼의 더 세럼은 피부 본연의 힘을 일깨워 생기 있고 매끄러운 피부를 완성시킨다. 또한 피부에 고르게 퍼지고 빠르게 흡수되어 24시간 보습 효과를 유지하고 피부의 길을 열어 다음 단계 제품의 흡수를 높여준다. 50ml, 30만원.

윤형택 작가가 그리는 단순한 인물에는 인간에 대한 따스함이 녹아 있다. 알면 알수록, 더 자세히 들여다보게 만드는 힘이 있는 그의 작품 속 문을 두드렸다.

사랑과 고독, 생명과 죽음, 희로애락, 인간의 내면이 담긴 한 점의 예술 작품은 우리의 고단한 삶에 위로를 건넨다. 알랭드 보통과 미술사가 존 암스트롱이 나눈 대화 <알랭 드 보통의 영혼의 미술관> 책에서 그들은 예술의 목적은 삶을 윤택하게 만드는 도구가 되어야 한다고 말한다. 예술에 대해 예술사적 지식으로 접근하기보다 감상하는 사람들의 삶 속에 영감을 주며, 의미를 찾을 수 있는 세심한 배려가 필요하다고. 작품 하단에 놓인 제목과 연도로 작품을 보는 것이 아닌 그 작품을 바라보았을 때 한마디로 규정하기 어려운 안온한 충족감을 얻을 수 있도록 말이다.

윤형택 작가의 작품은 어떠한 설명도 필요 없이 입가에 온화한 미소를 번지게 만드는 힘이 있다. 날렵한코와 이어지는 입, 눈을 이루는 선의 미묘한 차이로 다양한 인물의 표정을 만들어낸다. 누군가의 초상화이기에는 주변 사람이 떠오르는 친숙함이 느껴지고, 작은 소파에 세 가족이 옹기종기 모여 있는 그림은 괜히 어린 시절 부모님과 함께했던 그 시절을 추억하게 하는 감상을 낳는다. 윤형택 작가를 만나기 위해 찾은 파주의 작업실도 그의 그림처럼 따스한 온기가 가득했다. 인터뷰를 위해 마주 앉은 책상 위로는 연필 몇 자루와 공책이 놓여 있었다.

팬 드로잉과 스케치를 진행하는 큰 책상에 앉아 있는 윤형택 작가가 활짝 웃고 있다.

“저는 낙서를 좋아해요. 제 그림도 낙서에서 시작됩니다. 스케치를 정하지 않고 캔버스에 바로 그림을 그려요. 때문에 자세히 보면 그림에 덧칠한 흔적이 보일 거예요. 지우고, 지우고 또 지우고…. 어릴 적부터 글보다는 그림으로 표현하는 것이 저에게 오래 기억 되더라고요. 과거 공책에 그린 낙서들을 보면 어떤 상황이었는지, 그 당시 내가 어떤 생각을 했는지 떠오르더라고요. 수업 시간 선생님과 앞자리 앉은 친구들 인상을 포착해 그렸어요. 인물의 찰나를 스케치하는 것이 흥미롭더라고요. 저의 작업이 인물 위주인 것도 그 때문이죠. 감정을 대입하는 것이 가장 쉽기도 하고요.” 윤형택 작가의 설명을 들으니 그의 그림에 숨어있는 디테일이 선명하게 다가왔다. 캔버스 위로 차곡차곡 쌓인 그의 흔적이 완성된 그림은 단순했던 첫인상과 달리 깊이감이 느껴진다. 마치 숨은 그림 찾기 처럼 자세히 들여다 볼수록 곳곳에는 흥미로운 이야기를 발견할 수 있었다. 윤형택 작가의 작품속 인물이 주로 옆 모습을 하고있는 이유도 그 중하나다.

“옆모습은 대화의 위치성이나 서로의 관계에 대해 얘기하고 있어요. 버스에서 제일 끝 다섯 자리를 앉을때 맨 오른쪽과 왼쪽 그리고 중간이 채워지고, 마지막에 어쩔 수 없이 그 사이 자리가 채워지는 경우를 보세요. ‘옆’이라는 것은 신뢰성, 편안함과 연관이 있어요. 낯선 이, 신뢰하지 못하는 사람이 옆자리에 앉으면 불편한것 처럼요. 그만큼 옆자리가 주는 신뢰와 친근감이 있어요. 그래서 저는 옆이란. 의미는 폰드니스 Fondness라고 생각해요. 굳건히 다져진, 견고한 ‘좋아함’을 표현하고 싶은데, 이를 정확하게 표현할 수 있는 단어가 없더라고요. 영국에서는 폰드니스가 오랫동안 알아온 사람을 애정한다는 따뜻한 단어로 사용된다고 해요. 제 그림을 통해 표현하는 것을 가장 잘 설명하는 단어라고 생각해요.” 윤형택 작가가 설명했다. 그의 작품이 고상한 지식을 갖고 있지 않아도 쉽게 와닿는 이유가 이지점에 있었다. 작가의 의도를 파악하지 않더라도 오직 그림을 통해 관람객들에게 전하는 감상은 윤형택 작가만이 가진 차별점이다. 이는 공간 디자인 스튜디오 WGNB에서 공간 기획 스토리텔러로 일을 겸하고 있는 그만의특별한 경험과도 연관이 있다. 

윤형택 작가는 자리를 바꿔가며 작업하는 습관이 있다. 작업실에는 큰 책상과 작은 책상, 이젤 앞과 벽에 기대어 있는 캔버스 등 작업할 수 있는 다양한 자리가 있다.

“사실 처음 작품 활동을 시작한 계기는 공간에 필요한 그림을 그리기 위해서였어요. 작품의 도착지는 갤러리가 아닌 누군가의 집이에요. 고대 동굴 생활로 거슬러 올라가면 불 주위로 사람들이 모이게 되고, 시대가 변하면서 벽난로 그리고 TV 앞으로 모였죠. 그리고 현재는 스마트폰이라는 각자의 매체가 생기면서 뿔뿔이 흩어져 있어요. 모였을 때 생기던 온기가 현재는 없어졌어요. 그래서 따뜻함을 대치하고, 보완해줄 수 있는 것이 그림이라고 생각했고, 그림에 따뜻함을 담고 싶었어요. 이는 그림을 그리면서 정립된 것이기도 해요. 그림을 통해 과거의 시대를 알 수 있듯, 저의 그림을 통해 지금 이 시대가 미래에 이야기 되는 것을 담아내려고 해요. 최근에는 집 안의 가구와 조명이 작품처럼 보이고 싶어하잖아요. 그래서 그림이 하나 걸려도 가구와 조명 모두가 잘 어우러져야 해요. 하나의 팀처럼요. 그 때문에 상업적인 관점이 아니라 우리 시대의 관점으로 생각했을 때 주거 트렌드에 영향을 받은 컬러나 무드를 고려해요. 따뜻함과 더불어 집이라는 공간에 걸릴 것을 생각해 인물의 묘사도 단순화했고요. 아내와 주변 인물 그리고 저를 그리는 경우가 많지만 누구나 가까운 이들을 떠올릴 수 있게 최대한의 묘사를 절제했어요. 즉 그림을 통해 일대일 소통, 직접 소통되고 싶었기 때문이죠.” 

‘노란옷 여인’, Acrylic on Canvas, 200×160cm, 2022.

보편적인 그림이 되었으면 한다는 그의 바람은 이미 이러한 긴 글보다는 그림을 통해 직역되고 있다. 만화책과 잡지, TV와 같은 매체가 익숙한 85년생 윤형택 작가는 매체와 자신이 만나 일으키는 작용이 작업 활동에 있어 영감이 된다고 말한다. 덕분에 그림을 그릴수록 작품에 대한 확신이 생긴다고. 그는 앞으로 자신만의 방식으로 작품과 정과 스토리, 다양한화두를 던질 수 있는 도록 개념의 책을 만들고 싶다고 전했다. 8월 19일부터 프린트 베이커리에서 열릴 그의 두 번째 개인전에서 그의 작품을 있는 그대로 받아들이고 느껴보길 바란다. 우리네 일상에 파고들어 따스한 감성을 자극하고, 추억을 떠올릴 수 있을 것이다.