Salvage Craft

2024년 06월 11일

Salvage Craft

버려지는 폐기물에 새로운 숨결을 불어넣는 디자이너 오세정. 5Vie와 선보인 그녀만의 독창적 디자인에 귀 기울여보자.

올해로 11회째를 맞이하는 5Vie의 주제는 <언리미티드 디자인 오케스트라 Unlimited Design Orchestra>였다. 음악, 특히 오케스트라의 요소에서 영감을 받은 이번 전시는 조화로운 관계를 위해 서로 상호작용하는 물리적 장소, 문화, 협업과 지속 가능성에 대해 탐구했다. 그중 시애틀을 기반으로 활동하고 있는 디자이너 오세정의 작품은 단연코 돋보였다. 디자이너로서 무책임하게 버려지는 폐기물에 대해 고민하던 그녀는 이를 모아 독창적인 형태로 재구성하고, 그 위로 겹겹이 가죽을 입혀 새로운 숨결을 불어넣고 있다. 들여다볼수록 내면의 오브제를 상상하게 만드는 그녀의 작품은 미래를 위한 비전과 무한한 가능성이 느껴진다.

이번 전시에 대해 간략히 소개해달라. <Unlimited Design Orchestra>라는 전시 타이틀에 맞게 드럼, 프렌치 혼, 바이올린, 트렘펫 같은 다양한 악기들을 의자 전반에 넣어 제작했다. 전시장에는 음악이 깔리고, 반복적으로 조명을 바꿔 관람객들이 보았을 때, 마치 그 의자에서 음악이 나오는 것 같은 착각이 들게끔 의도했다. 궁극적으로 관객들에게 보고, 듣고, 만지고, 느끼면서 디자인을 경험할 수 있는 기회를 제공하기 위한 기획이었다.

5Vie와의 협업은 어떻게 시작되었나? 5Vie 창업자인 에르네스타 델 콜리아노 Ernesta del Cogliano와 엠마누엘레 테사롤로 Emanuele Tessarolo에게 연락을 받았다. 작년에 영국에서 참여한 <Mirror Mirror: Reflections on Design at Chatworth> 전시에서 내 작품을 보고 이번 전시 기획에 영감을 받았다며 살로네 5Vie 전시 협업을 제안해주었다. 기획도 아주 마음에 들었고, 5Vie는 이전에도 훌륭한 디자이너들과 멋진 작업을 해서 기쁜 마음으로 응했다.

버려진 가구와 폐기물에 집중하게 된 계기가 궁금하다. 미국 크랜브룩 미술 아카데미 Cranbrook Academy of Art에서 산업디자인을 공부할 당시, 캠퍼스에 늘 쌓여가는 프로토타입과 기숙사에서 엄청나게 버려지는 물건들을 매일 접하며 고민이 많았다. 우리는 왜 끊임없이 사고 버리는 과정을 반복하면서 솔루션을 항상 새 제품이나 서비스에서만 찾으려고 하는 걸까? 그때부터 자연스럽게 버려지거나 외면받는 오브제들에 관심을 갖기 시작했다.

비정형적이고 곡선적인 형태가 독특하다. 작품의 특징을 설명해달라. 형태, 소재, 색상이 각자 모두 다른 오브제들이 서로 얽힌 구조라 독특한 형태가 자연스럽게 나오는 듯하다. 얽힌 구조 위를 가죽으로 한꺼번에 덮어 또 다른 하나의 새로운 형태를 구현한다.

제작 과정이 궁금하다. 추상적인 형태를 머릿속으로 구상하고 시작하는가? 그렇다. 기본적으로 가구 유형이 정해지면 머릿속으로 먼저 구상한 뒤, 그 형태에 맞춰서 기본 구조를 설계하고 들어갈 오브제들을 선택한다. 튼튼하게 조립해 가구의 전반적인 형태를 완성하고 나면, 구조 위에 올라갈 가죽 패턴을 디자인한다. 패턴에 맞춰 모든 표면을 수작업으로 감싼 다음 코팅을 올리면 작품이 완성된다. 원오프 ONE-OFF 형식이라 똑같은 형태를 제작하는 것이 불가능하다. 그래서 항상 오리지널 형태는 3D 스캔 작업을 거친다. 에디션 작업은 스캔 파일을 통해 실제 사이즈로 3D 프리팅해 제작된다.

가죽 끈을 꼼꼼히 감싼 부분이 오래된 나무의 나이테처럼 느껴지기도 한다. 주로 천연가죽을 사용하기 때문에 가죽 본연의 색깔이 조금씩 다르다. 그래서인지 사진으로만 작품을 접한 많은 분이 나무로 제작된 작품인줄 알았다고 말씀해주시더라.

형태를 구현함에 있어서 가장 중점을 두는 부분은 무엇인가? 가구에 쓰이는 오브제들의 의미와 형태. 그리고 다양한 오브제가 들어가기 때문에 내구성에 많이 신경 쓰는 편이다. 가구는 눈으로만 보는 예술작품이 아닌, 사람들이 실제로 앉고 접촉하며 오랜 세월 함께 살아가야 한다. 형태가 조금 복잡해도 가구로서의 역할을 충실히 하는 것이 무엇보다 중요하기 때문에 튼튼하고 편안한 가구를 만드는 데 중점을 두고 있다.

이번 전시를 통해 관람객들이 무엇을 느끼거나 경험하기 바랐는가? 전시 타이틀과 같은 맥락으로, 관객들이 디자인의 무한한 가능성을 조금이나마 느낄 수 있는 기회를 제공하고 싶었다.

앞두고 있는 프로젝트나 전시가 있는가? 5월 말에 열리는 디자인 마이애미 LA를 앞두고 있고, 지금은 홍콩 M+ 뮤지엄의 영구소장품 커미션 작업하고 있다. 이 작품 전시는 오는 11월 예정이다. 현재 뉴욕 쿠퍼 휴잇 스미스소미언 디자인 뮤지엄에서 진행 중인 내셔널 디자인 컬렉션 전시는 9월까지 열릴 예정이다. 샌프란시스코와 뉴욕, 밀란 등 개인전을 포함해서 올해 상반기에만 전시를 5개 진행하느라 팀 전체가 새 디자인에 많은 시간을 들이지 못했다. 다가올 후반기에는 전시보다는 새로운 제품과 가구를 디자인하는 데 몰두할 계획이다.

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에디터

원하영

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문화의 요람

2024년 06월 10일

문화의 요람

이탈리아 예술계의 살아 있는 전설인 카를라 소차니. 그녀가 건축, 예술, 디자인, 패션을 품은 수장고이자 창작자에게 영감의 샘터가 되어줄 폰다치오네 소차니의 문을 열었다.

카를라 소차니의 개인 오피스. 그녀에게 영감을 주는 서적과 자료들이 질서 없이 놓여 있지만, 이 모습마저 멋지다. ©️Martina Giammaria

멈추지 않는 에너지를 발산하며 끊임없이 아름다움에 대해 탐구하고 있는 카를라 소차니. ©️Martina Giammaria

패션 잡지 편집장 출신인 카를라 소차니 Carla Sozzani는 밀라노를 대표하는 전설적인 편집숍 10 꼬르소 꼬모 10 Corso Como를 창립한 인물이다. 최근 그녀는 이 대단한 업적을 뒤로하고 새로운 목표를 향해 나아갈 것을 선포했다. 바로 2016년 설립된 문화재단 폰다치오네 소차니 Fondazione Sozzani에 모든 에너지를 쏟아 이를 문화적 교류의 장으로 만들겠다는 결심이다. 오랜 시간 단장을 마치고 새로운 출발점에 선 폰다치오네 소차니. 재단 오픈 소식과 함께 인터뷰한 그녀의 답변에선 일에 대한 진정한 사랑이 느껴졌다. 오래도록 지치지 않고 일할 수 있는 힘은 계속해서 ‘아름다움’을 발견하고, 주변으로부터 호기심을 품는 데서 나온다는 말에 깊이 공감할 수 있었다. 예술 세계에 새 지평을 열 폰다치오네 소차니를 소개한다.

아이디어의 밑바탕이 되는 서적들. ©️Martina Giammaria

아프리칸 부족의 전통 물건을 떠올리게 하는 독특한 오브제는 모두 크리스 루스가 만든 것이다. ©️Martina Giammaria

©️Martina Giammaria

©️Martina Giammaria

폰다치오네 소차니 재단은 다양한 문화적 교류의 장이 될 것이라고 들었다. 소차니의 개인 오피스를 비롯해 아트 워크 작업, 갤러리, 레스토랑, 팝업 공간 등으로 이루어진 이곳에 대해 소개해달라. 새로움을 탐구하기 위한 근본은 먼저 지역을 선택하고, 그 다음으로 공간을 선택하는 데 있다. 보비사 Bovisa는 밀라노 도심 북쪽에 위치한 산업 지역으로 깊은 문화적, 사회적 역사를 지니고 있다. 도시 외곽에 위치한 이 산업 지역은 철저한 변화의 시기를 겪었으며, 현재 밀라노 공과대학의 존재 덕분에 디자인과 예술의 ‘용광로’로서 상승세를 타고 있다. 건축가 렌초 피아노 Renzo Piano에 의해 버려진 이 산업 지역은 학생들을 위한 대규모 과학 공원, 혁신 허브로 변화하고 있다. 폰다치오네 소차니는 1960년대 지어진 건물로 수십 년 동안 포장공장과 차고로 사용되었다. 그 때문에 공간 규모가 매우 크고 다양하다. 이러한 공간적 특성은 우리의 다양한 프로젝트 계획을 유연하게 수립할 수 있다. 패션과 사진, 그리고 도서관 등 재단의 대형 아카이브도 호스팅할 것이다.

이곳은 어떠한 가치관과 철학을 가지고 운영되나? 폰다치오네 소차니는 2016년 카를라 소차니, 크리스 루스 그리고 사라 소차니 마이노 Sara Sozzani Maino에 의해 설립되었다. 사진, 패션, 순수미술, 응용미술을 통한 문화 진흥에 헌신하고 있다. 이 재단은 갤러리아 카를라 소차니의 후원을 맡아 1990년부터 갤러리가 지원해온 모든 관련 공공 역할을 계속해서 이어가고 있다. 폰다치오네의 목표는 전시, 출판, 컨퍼런스 등의 만남을 통한 현대 문화적, 예술적 활동을 장려하고 확산하는 것이다. 또한 사회적으로 책임을 부여받은 프로젝트를 관리하고, 교육 및 지속 가능한 프로그램을 구현하여 차세대 창작자들에게 인식을 심어주는 것을
목표로 하고 있다.

카를라 소차니의 파트너이자 미국 화가 크리스 루스 Kris Ruhs의 역할이 크다고 들었다. 크리스 루스는 30년 넘게 우리와 함께한 많은 프로젝트, 특히 10 꼬르소 꼬모의 이미지 창출에 매우 중요한 역할을 해왔다. 초기부터 그는 폰다치오네의 중요한 부분이 되었으며 그의 재능과 무한한 상상력, 창의력은 독특한 상징을 갖고 있다.

카를라 소차니의 젊은 시절 모습. ©️Martina Giammaria

그녀의 업적을 정리한 아카이빙 자료들. ©️Martina Giammaria

이곳의 모든 오브제와 아트 작품들은 크리스 루스의 손길로 완성된다. 이토록 장인정신을 고수하는 이유가 있나? 궁극적인 목표는 오직 장인정신만이 달성할 수 있는 완전한 건축의 개념이다. 화가이자 조각가, 디자이너인 크리스 루스는 건물의 복합적인 특성을 커다란 하나의 개체와 작은 개별 부분으로서 파악하고 이해할 수 있는 능력을 가졌다. 그의 아틀리에와 작업장은 이 공간의 일부이며, 그는 장인정신의 중요성을 차세대 창작자들과 공유하고 그들이 우수성에 도달할 수 있도록 돕고자 한다. 크리스는 장인과 예술가 사이의 장벽을 허물기 위해 A×A(Art for Artisans, Artisans for Art) 운동을 창설했다.

고유한 스타일을 창조하는 데 있어 가장 중요하게 여기는 요소가 있나? 재료, 색상, 실루엣 혹은 다른 어떠한 것이 있나? 창의성은 하나의 관점에서 비롯되어야 하며 무언가를 만들거나 편집할 때 모든 선택은 하나의 시선을 가져야만 강한 힘을 얻을 수 있다. 그 시점에서 비로소 재료, 색상, 형태는 모두 자연스럽게 하나의 비전으로 합쳐진다.

가장 큰 영감을 주는 것은 무엇인가? 예를 들어 여행, 문화, 자연 등이 영향을 미치나? 주변의 모든 것이 나의 상상력을 자극한다. 아름다움을 볼 수 있는 능력이 창의성의 뿌리이며 아름다움은 어디에나 있다. 예를 들어 자연만큼 창의적인 것은 없다. 창작 과정은 꿈과 끊임없는 호기심으로 이루어진 자연스러운 흐름이다.

디자인 산업에서 창의적인 아이디어를 계속해서 발견하고 이를 현실로 구현하는 데 가장 큰 도전이 있다면? 오늘날에도 예전과 마찬가지로 개성 있는 목소리를 유지하고, 자신이 생각하고 말하는 것을 믿으며, 진정성과 헌신의 마음을 가지는 것이 중요하다. 유행을 따르지 말고 새로운 길을 개척하려는 노력이 중요하다.

보비사 지역에 위치한 폰다치오네 소차니의 건물 외관 모습. ©️Ilvio Gallo

갤러리 및 전시 쇼케이스로 운영될 공간. ©️Martina Giammaria

©️FONDAZIONE SOZZANI

©️FONDAZIONE SOZZANI

폰다치오네 소차니의 오픈을 기념해 크리에이티브 푸드 스튜디오 ‘위 아 오나 We Are Ona’와 협업한 스페셜 다이닝을 선보였다. 이 프로젝트에 대해 설명해달라. 루카 프론차토 Luca Pronzato가 이끄는 위 아 오나는 요리뿐 아니라 환경과 예술적 접근을 통해 독특한 미식 경험을 제공하는 스튜디오다. 위대한 사진작가 마크 보스윅 Mark Borthwick이 그의 영상, 시, 음악을 담은 설치 작업을 통해 마법 같은 경험을 선물했다.

유행을 좇지 않고 변치 않는 아름다움을 유지한다. 요즘 트렌드에 대한 개인적인 의견이 있나? ‘트렌드’는 생각하는 것만으로도 매우 스트레스를 받을 수 있다. 반면 ‘아름다움’을 생각하고 추구하는 것은 평화를 가져다 주며 궁극적인 자유를 가져다 준다. 즉, 트렌드보다는 아름다움에 대해 생각해보라고 권유하고 싶다. 빠르게 변화하는 디자인 산업에서 이토록 오랜 시간 자신만의 감각을 유지하고 관리할 수 있는 비결이 궁금하다. 에너지의 원천은 무엇인가? 자신의 스타일을 찾는 것. 이 과정은 시간이 걸리고 수차례 실수를 겪어야 하지만, 한 번 찾으면 멋진 해방감을 준다. 내 에너지의 원천은 항상 삶에 대한 다음 단계에 열린 마음과 호기심을 갖는 것이다. 내 미래는 사랑하는 많은 일로 가득 차 있어 싫어하는 일을 저절로 잊게 만든다.

폰다치오네 소차니는 앞으로 어떻게 운영될 것이며 어떠한 모습을 기대해봐도 좋겠나? 주로 패션과 사진 분야의 교육 프로그램에 매우 열중하고 있으며, 책임감과 인식을 높이는 순환 패션을 장려하고 있다. 다음 세대의 재능 있는 인재들과 공유할 수 있는 방대한 사진 및 패션 아카이브를 보유하고 있는 것 또한 큰 행운이다.

밀란 디자인 위크 기간 동안 푸드 크리에이티브 스튜디오 위 아 오나와 협업해 특별한 다이닝 이벤트를 열었다. ©️FONDAZIONE SOZZANI

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Automotive Power

2024년 06월 07일

Automotive Power

패션 하우스가 리빙 산업에 미친 영향력이 이제 확고해졌다면, 자동차 리빙이라는 신흥강자에 주목해야 할 때다. 오랜 관습에 새로운 도전장을 내밀며 디자인과 기술력이 집약된 전시를 선보인 5개 자동차 브랜드.

포르셰의 오리지널 페피타 패턴을 입고 새롭게 태어난 임스 플라스틱 사이드 체어.

PORSCHE

개막일에 열린 무용수들의 공연.

페피타 패턴으로 제작된 세 가지 아이코닉한 비트라 체어를 전시한 내부 전시 공간.

포르셰가 마련한 전시 <더 아트 오브 드림 The Art of Dreams>이 팔라초 클레리치 Palazzo Clerici에서 열렸다. 이 전시는 2021년 10월 파리에서 시작되어 세계 주요 도시를 순회하며 여는 전시다. 올해 밀란 디자인 위크를 맞이해 열린 전시 주제는 포르셰의 상징적인 페피타 Pepita 패턴에서 비롯된 것으로 ‘기하학, 대칭, 리듬, 반복’을 이야기한다. 팔라초 한가운데에 마치 아이들이 노는 정글짐에 있을 법한 구조물이 들어섰는데, 이는 예술 집단 누멘/포 유스 Nuemn/For Use의 조각 <라인 오브 플라이트 Line of Flight>다. 관람객이 직접 내부에 들어가 탐험할 수 있도록 만든 경량 구조물로 개막일에는 임레 Imre와 마르네 반 옵스탈 Marne van Opstal의 무용 공연이 펼쳐졌다. 전시장 내부에서는 예상치 못한 만남도 이어졌다. 스위스 디자인을 대표하는 가구 브랜드 비트라가 포르셰의 오리지널 페피타 패브릭을 활용해 세 가지 아이코닉한 의자를 제작한 것. 임스 플라스틱 사이드 체어, ID 트림 L ID Trim L, 프티 리포스 Petit Repos 체어가 페피타 패브릭을 입고 새롭게 태어났다. 이는 한정 수량 제작되어 판매될 예정. 포르셰는 이번 전시를 통해 페피타 패턴의 디자인 유산을 다시금 되살리며 디자인 애호가들의 마음을 들뜨게 했다.

KIA

지난해 밀란 디자인 위크에서 첫 단독 전시를 연 기아가 올해 제로 Zero와 협력해 ‘오퍼짓 유나이티드 Opposites United’의 두 번째 에디션을 개최했다. 이번 전시는 현대 문화의 복잡성에 대해 탐구한 것으로 다양한 설치물과 공연, 토크 프로그램을 통해 개별적, 집단적, 인간과 디지털의 관계에 대해 조명했다. 주요 아티스트로는 안나 갈타로사 Anna Galtarossa, 리카르도 베나시 Riccardo Benassi, 시슬 툴라스 Sissel Toolas, 레드풀스 LedPulse 등 현대 예술가들이 여럿 참여했다. 퍼포먼스 아티스트로는 밀라노의 유명한 오페라하우스 라 스칼라 La Scala의 타악기 연주자들, 마야 선펠드 Maya Shenfeld 등이 공연을 펼쳤다. 또한 철학자, 예술 큐레이터 등 다양한 분야의 유명 인사들이 토론을 이끌었다. 기아의 두 번째 전시는 자동차 브랜드의 디자인 철학을 경험해보고, 현대 문화에 대한 새로운 시각을 열 수 있는 시간이었다.

BENTLY HOME

모듈형으로 제작된 로프트어스 Loftus 소파.

윌튼 Wilton 책상과 볼링톤 Bollington 오피스 체어는 올해 새롭게 공개된 홈 오피스 컬렉션이다.

자동차 브랜드에서 만든 가구는 어떤 모습일까. 벤틀리가 이번 디자인 위크를 통해 첫 번째 홈 오피스 가구로의 진출을 알렸다. 사실 벤틀리는 지난 10년간 꾸준히 홈 컬렉션의 역사를 써내려 가고 있다. 하지만 자동차에 대한 관심이 더욱 집중해 쏠리기에 이 소식을 모르는 이들도 많았을 터. 벤틀리 홈의 디자이너 카를로 콜롬보 Carlo Colombo는 페데리코 페리 Federico Peri, 프란세스코 포르셀리니 Francesco Forcellini와 협업해 지속 가능한 소재와 무한한 커스터마이징 옵션을 갖춘 책상을 선보였다. 기존 거실, 주방, 침실을 위한 가구를 넘어서 오피스로까지 영역을 넓힌 것. 팔라초 키에사 Palazzo Chiesa에서 열린 이번 전시는 남부 이탈리아 살렌토에서 영감을 받은 멀티센서리 설치물이 함께 공개되었다. 새로운 컬렉션은 재료의 다양성과 형태의 가벼움을 강조하며 현대적인 럭셔리 가구가 무엇인지 톡톡히 보여줬다.

가죽 버전의 로프트어스 소파와 칠톤 Chilton 암체어.

LEXUS

2m 높이로 제작된 조각은 히데키 요시모토의 <비욘드 더 호리즌>.

일본 자동차 브랜드 렉서스가 밀라노의 토르토나 지역에 위치한 전시장 수퍼스투디오 피우 Superstudio Più에서 ‘시간’을 주제로 한 전시회를 열었다. 렉서스의 차세대 배터리 전기차 LF-ZC의 개념에서 영감을 받은 두 가지 설치 작품을 선보인 것. 일본 디자이너 히데키 요시모토 Hideki Yoshimoto는 차량 소프트웨어 혁신을 통해 미래의 모빌리티를 탐구한 <비욘드 더 호리즌 Beyong the Horizon>을 공개했다. 이는 2m 높이 조각들로 구성되어 있으며, 각 조각은 독특한 조명 효과를 발산해 다양한 분위기를 조성한다. 그 배경에는 일본 전통 장인 기술과 최첨단 기술을 결합한 거대한 4m 높이와 30m 너비의 프로젝션 스크린을 특징으로 한다. 이 스크린은 일본 혼슈 주부 지방의 도시 에치젠 Echizen 시의 전통 집에 주로 사용되던 종이 ‘와시’와 대나무 섬유를 사용해 지속 가능한 재료를 강조하기도 했다. 두 번째 설치물인 마르잔 반 오벨 Marjan van Aubel의 <8분 20초>는 에너지와 소프트웨어 혁신을 통해 탄소 중립과 럭셔리가 공존할 수 있는 미래를 상상하며 기획됐다. 8분 20초는 태양빛이 지구에 도달하는 시간을 의미하며 홀로그램 나무와 좌석 공간, 상호작용하는 태양을 배경으로 한다. 관람객은 대나무 천으로 만든 센서를 만지며 개인 맞춤형 일출을 경험할 수 있었다. 시간과 경험의 관계에 대해 탐구하고자 기획된 렉서스의 전시는 기술이 인간의 경험을 어떻게 발전시킬 수 있는지 보여줬다.

BUGATTI HOME

반짝이는 소재가 특징인 부가티 홈 컬렉션의 소파.

곡선이 돋보이는 다이닝룸 컬렉션.

부가티를 상징하는 C라인 자동차.

부가티 홈은 1909년 설립된 부가티의 역사와 유산을 강조하는 전시를 열었다. 벤틀리 홈과 동일한 전시 공간인 팔라초 키에사의 정원에 부가티를 상징하는 C라인이 존재감 있게 등장하며 관람객을 맞이했다. 전시장 내부에서는 부가티의 디자인 철학을 바탕으로 최첨단 장인 기술, 단순한 우아함, 세심한 디테일을 엿볼 수 있는 부가티 홈 컬렉션의 신규 라인들을 만나볼 수 있었다. 유럽산 오픈 포어 오크, 유리, 금속, 래커 같은 최고급 재료를 사용해 시간을 초월한 정교함을 담아냈다. 주요 제품으로는 C라인을 모티브로 한 모듈 소파, 유리와 크롬 알루미늄 다리로 구성된 다이닝 테이블, 카본 파이버로 제작된 의자 등이 있었다. 특히 독특하게 구부러진 알루미늄 다리, 곡선형 유리, 가죽 좌방석, 재료와 디테일을 숨기지 않고 과감하게 드러낸 모습 등에서 부가티의 장인정신과 강인함을 엿볼 수 있었다.

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에디터

원지은