마이 알레는 우경미 대표, 우현미 소장이 걷고 있는 ‘마이 웨이’다. 반짝이는 이정표 하나 없는 길을 가지만 자매는 디자인 사무소라는 정체성에 안주하지 않는 작업을 세상에 펼쳐 보여왔다. 천천히 귀 기울이면 낮은 울림에 공명하게 되는 그들의 이야기, 이번에는 바우어 새에게 헌정되었다.

↑ 전시장 입구에서 안쪽으로 바라본 모습. 실내를 가득 채운 자연 소재 덕분에 정글 속으로 들어온 기분이다.

긴 겨울 땅속의 삶을 도모했던 초록 식물들이 깨어나는 소리로 이 산 저 산 술렁인다는 소문이 자자했다. 신부의 면사포처럼 흰 벛꽃잎이 거무튀튀하던 아스팔트 도로 위로 흩어지니 자연의 알람에 초록이 기상할 때였다. 3일간의 봄 마켓을 마친 과천 마이 알레는 집들이를 마치고 손님들이 빠져나간 집처럼 잔치의 흔적과 다시 돌아온 고요함이 공존하고 있었다. 서울과 경기도의 경계선을 넘은 지 10분 남짓 지났을 뿐인데 도시의 소란과 먼지를 말끔히 벗어낸 그곳에 들어선 순간, 시청각은 좀 전과 전혀 다른 세상으로 수렴하고 있었다.
작년에 읽었던 소설을 올해 다시 집어 들었을 때의 소회가 다르듯 새순이 돋아나던 작년 봄의 감동과 올봄의 감동이 다르다. 그렇다면 자연은 문학 작품일까. 자연은 시간이라는 비정형의 지휘 속에서 나오고 들어가야 할 때를 정확히 안다. 그렇다면 자연은 관현악단일까. 자연의 순환이 선사하는 감동은 진자의 원리처럼 알면 알수록 진폭이 넓어진다.

↑ 마이 알레의 우경미 대표와 우현미 소장.

우경미 대표와 우현미 소장, 과천 마이 알레를 이끌고 있는 자매는 그것을 삶에 들이는 다양한 시선을 제안해왔다. 압구정동 알레 시절을 거쳐 이곳 과천에 정착한 지금까지 두 사람은 조경 디자인에서 공간 디자인에 이르기까지 자연에 대한 이해와 존중을 기저에 두고 알레다운 언어로 말을 걸어온 것이다. 차별화된 마켓을 지향했던 그들의 봄 마켓 중 백미였던 전시 <바우어 새의 정원>은 그들이 품어온 자연에 대한 경이로움을 드러낸 편린이었다. “프로젝트를 의뢰 받아 일을 진행하던 기존과는 달리 이번 전시는 우리가 하고 싶은 것이 무얼까라는 의문에서 시작되었다는 점에서도 남다른 의미를 갖고 있어요.” 비구름이 낮게 깔린 흐린 아침, 우경미 대표의 얼굴은 행복한 피곤함으로 가득했다. “회의 중 누군가가 바우어 새를 다룬 다큐멘터리 프로그램을 얘기했어요. 그런데 얘길해보니 너도 나도 바우어 새에 대해 다들 알고 있던 거예요. 한 번씩 들어봤거나 프로그램을 보았고 기억을 하고 있더라는 게 참 재미있었죠.” 취향의 합일은 구름에 가려진 목표를 향해 진격하게 만드는 가장 큰 동인이 된다. 전시 기획과 사전 조사에 3주 정도 걸렸던 것에 비해 실제 설치는 일주일 만에 끝냈다. 과천시 삼부골에 재현될 바우어 새의 정원을 위해 알레 식구들은 그 어느 때보다 높은 몰입도를 발휘했다.

↑ 각종 파란색 소품을 자연의 소재와 조화시킨 모습. 바우어 새의 영역으로 인간이 침투함에 따라 예상치 못했던 흔적이 종종 발견되는 것을 표현 했다.

바우어 새는 호주와 뉴기니 일대에 서식하며 마치 학습된 것처럼 건축적이고 아름다운 집과 뜰을 가꾸는 정원사로 알려져 있다. 색깔과 구조에 대한 식견은 새의 작품이라고 믿기 어려울 만큼 섬세하다. 빨간색 계열의 열매와 꽃잎으로 장식하는 바우어 새가 있는가 하면, 검은색이나 노란색만 고집하기도 하고 연출법도 제각각이다. “우리는 그동안 정원이라는 것을 너무 어렵게 생각했던 건 아닐까요. 바우어 새처럼 자기가 좋아하는 것을 모아두기만 해도 훌륭한 정원이 될 수 있는데 말이죠.” 전시는 미물로 폄하될 뻔한 바우어 새로부터 얻은 교훈과 반성을 담은 서정적인 측면과 동시에 지역 사회와의 상생을 도모한 서사적인 측면도 있다. 오랫동안 집성촌처럼 형성되어 있는 과천시 삼부골 원주민들 입장에서 보면 어느 날 불시착한 우주선과도 다름없었을 마이 알레. 별다른 교류 없이 데면데면 어깨를 맞대고 살아온 그들은 바우어 새의 정원을 그리는 데 밑그림이 되어줄 질료를 이웃한 과수원에 쌓여 있던 전지 더미에서 찾았다.
“쌓아둔 나뭇가지를 보고 저희가 써도 되겠냐고 여쭈었더니 흔쾌하게 허락해주셨어요.” 고마운 마음은 전시장 입구에 남겨 두었다. ‘바우어 새의 정원은 삼부골 이경수 님의 과수원 나뭇가지로 만들었습니다. 감사합니다’. 이외에도 서초구청, 과천시청의 허락을 받아 사용한 것까지 모두 트럭 열 대 분량의 나뭇가지가 천장과 벽을 감쌌다. 서로 다른 하늘 아래 있던 나뭇가지와 각자가 가지고 있던 소품을 바우어 새처럼 그러모았으니 전시 컨셉트만 빌려온 것이 아니라 작업의 골격도 바우어 새의 습성을 따라간 셈. 바닥에는 퇴비화시킨 나무껍질인 바크를 융단처럼 깔고 곳곳에 파란색 소품를 두었다. “의외로 우리 생활 주위에 파란색이 많다는 거 아세요? 파란색은 스펙트럼이 넓으면서 굉장히 몽환적인 색이에요. 이런 파란색의 매력과 자연 식물의 대조를 살려보고 싶었어요. 파란색을 좋아하는 바우어 새에게 바치는 정원이랄까요.” 우현미 소장의 설명을 듣자니 <라이프 오브 파이>에서 보았던 파란색이 떠올랐다.

↑ 우현미 소장의 탁월한 심미안을 엿볼 수 있는 연출. 이질적인 요소를 이질감 없이 녹여냈다.

희망이자 절망, 꿈이면서 현실이기도 한 장면마다 등장했던 다양한 깊이의 파란색은 영화 내내 화면을 채우지 않았던가. “이게 뭔지 아세요?” 우현미 소장이 창가에 드리워진 흰색 천 소재를 들추며 물었다. “어부들이 조업 시 사용하는 어망이에요. 레이스처럼 하늘거리지 않아 차분하게 가라앉는 맛이 있으면서 적당히 바깥을 가려주는데 이것도 직원들과 회의하다가 나온 즉흥적인 아이디어였어요. 그게 우리가 일하는 방식이죠.” 창밖의 풍경을 한번 걸러내는 동시에 전시장의 컨셉트를 보호하는 흰색 어망과 천장으로부터 물구나무선 나뭇가지, 바닥 곳곳에 널린 파란색 소품 사이에 멍하니 서서 나는 천천히 바우어 새에게 이입되고 있었다. 우리가 사는 곳 반대편에 사는 바우어 새가 멀고 먼 이쪽으로 날아와준다면 두 자매가 헌정한 정원에 어떤 훈수를 둘지 궁금했다.

에디터 노은아 | 포토그래퍼 임태준

기존의 화장품 공병이나 생활용품의 빈 용기에 새로운 쓰임새를 부여한 2015 업사이클링 프로젝트는 전형과 틀에 안주하지 않은 열 팀의 작가들이 견인했다고 봐도 지나침이 없다. 실용성과 아름다움이 공존할 수 있음을 여실히 증명한 그들을 소개한다.

↑ 왼쪽부터 시계방향으로)
서정화 황동과 현무함의 대비가 독특한 스툴 겸 테이블 ‘머트리얼 컨테이너’가 대표 작품이다. 자연의 물성을 주제로 촉각을 자극하는 소재의 변주를 즐기는 그는 금속이 지닌 무광과 유광, 묵직함과 가벼움 사이를 자유롭게 넘나든다. 다른 소재와의 조화를 찾아 실험하는 소재 탐험자로 석재, 목재, 금속, 합성 소재 등 작업 방식에 따라 형태의 변형을 꾀한 작업 방식을 취한다.

OOO간 공공공간은 지역 재생을 위한 커뮤니티 디자인을 실천하고 있는 디자인 그룹. 10인의 디자이너 중 신윤예, 이성원, 박현일이 이번 업사이클링 프로젝트에 함께했다. 동대문시장과 인접해 있는 봉제 산업의 메카 창신동에서 수거되는 자투리 원단으로 만든 리빙 소품은 물론 ‘제로 웨이스트’라는 브랜드를 론칭해 자투리 원단을 줄인 패션 상품을 디자인하고 있다. 이와 함께 갈 곳 없는 청년들의 대안적 일자리 창출과 지역 커뮤니티가 활성화되도록 꾸준히 활동하고 있다.

박보미 희미한 잔상이 겹쳐서 또렷한 실체가 되는 철제 가구를 만드는 박보미 작가. 그녀에게 지나간 추억이나 스치는 생각은 모두 디자인 재료가 된다. 대표 작품인 ‘After Furniture’ 역시 어린 시절 아버지를 따라간 건축 현장에서 본 흐릿한 광경을 선과 선의 중첩으로 디자인해 주목을 받았고 그녀의 디자인 트레이드마크가 됐다. 신작으로는 한국 전통 가구를 모던하게 재해석한 소반과 반닫이 가구가 있다.

박진일 종이에 그린 드로잉이 실제 가구로 만들어진다면? 이런 상상에서 출발해 가구를 만든 박진일. 그의 대표 작품인 ‘드로잉 시리즈’는 스케치북에서 방금 튀어나온 듯 완벽한 입체를 뽐낸다. 색연필로 스케치한 것에 분체도장을 해서 색상을 입힌 가구로 탄생된다는 것이 재미있다. 녹슨 금속을 사용해 만든 ‘러스티드&폴리시드’ 역시 주목받고 있는 작품 중 하나다.

양승진 익숙하지만 디자인 재료로 잘 사용하지 않는 풍선으로 실험적인 작품을 선보인다. 풍선에 에폭시를 입혀 만든 의자와 스툴 ‘블로잉 시리즈’는 그의 대표 작품. 앉으면 펑! 하고 터질 것 같은 의자는 건장한 남자가 앉아도 끄덕없다. 안전함의 비밀은 여덟 번에 거쳐 바르는 에폭시에 있는데 느린 시간과의 타협이 만들어낸 결과물인 셈이다. 앞으로 풍선에 새로운 이야기를 담은 디자인도 전개할 예정이다.

↑ 왼쪽부터 시계방향으로)
양유완 호주에서 유리공예를 전공하고 돌아와 활동 중인 양유완. 유리공예를 한국적으로 재해석하고 다양한 소재를 접목해 실용성을 겸비한 개성 있는 오브제로 탄생시키는 작업을 한다. 특히 도자기와 유리를 혼합한 디자인으로 주목받고 있다. 시원하고 차가운 속성의 유리와 도자기를 더해 가슴속까지 따뜻해지는 감성적인 작품을 만든다.

김동해 직선의 강렬함과 군더더기 없는 심플함은 그의 주된 표현 방식이다. 철을 두드리고 접어 매만진 테이블과 의자, 스툴은 남성적인 차가움과 오브제적인 느낌이 강하다. 특히 조명의 기능을 갖춘 라이팅 테이블은 작가의 개성을 드러내는 작품으로 손꼽을 수 있다. 현재 리빙 브랜드 마누바쿰과 협업하고 있으며 동시에 작가로서의 정체성을 정립해 나갈 수 있는 작업을 구상 중이다.

전재은 일러스트레이터이자 회화 작가로 활동하고 있다. 바느질 작가로도 활동하며 따뜻한 바늘땀의 아름다움을 생활용품에 담는 작품을 제작해왔다. 추상 작업으로 방향을 바꿔 동화책의 캐릭터를 만들고 있으며 동시에 개인전을 위한 평면 회화 작업도 함께 진행 중이다.

스튜디오 캄캄 김재경 서현진, 김재경 듀오 디자이너가 설립한 디자인 스튜디오로 가구, 제품, 오브제 디자인을 비롯해 공간 컨셉트를 제안하는 일도 겸하고 있다. 그녀들은 폭넓은 활동 영역만큼이나 디자인의 폭도 광범위하다. 가구라는 영역 안에서 활동하고 있지만 현대적인 스타일부터 한국적인 스타일을 자유자재로 넘나들며 스튜디오 캄캄만의 위트와 재치를 가미한 디자인 작업을 선보인다.

팩트 논 팩트 산업디자인과 공예 분야에서 활동하고 있는 독립 디자이너 김진식, 김유헌, 이은재 3인이 결성한 프로젝트 브랜드이다. 눈에 보이는 사실에 초점을 맞춰 디자이너의 개념적 해석과 이야기를 거쳐 디자인에 접근하는 방식을 취한다. 본질에 대한 실험과 새로운 해석을 통해 기능적인 오브제를 만드는 그들의 대표적인 작품으로는 콘크리트와 나무 재질을 이용해 만든 다면체 형태의 B30도, B35도 조명이 있다.

2015 <메종> 업사이클링 전시
일시 2015. 4. 30-5. 17
장소 서울시 종로구 팔판동 27-5 제일모직 하티스트 하우스
문의 070-7130-9281

마이크로 사이트에서 `2015 <메종> 업사이클링 프로젝트` 의 모든 것을 확인해보세요!
사이트 www.maisonkorea.com/UCP/2015

에디터 박명주 | 포토그래퍼 임태준

2015 부아부셰의 여름 워크숍, 여름아 기다려, 리나 리카드슨을 만나다

2015 부아부셰의 여름 워크숍
도멘 드 부아부셰 Domaine de Boisbuchet 워크숍은 비트라 디자인 미술관의 이사장 알렉산더 폰 페게작이 만든 국제 디자인 워크숍이다. 프랑스 남서부 부아부셰 지역에서 개최되는 이 워크숍은 독일, 프랑스, 영국, 일본, 싱가포르, 대만 등 세계 각국에서 매해 300여 명의 수강생들이 참여하고 있다. 올해는 부아부셰가 25주년을 맞이해 그 어느 때보다 풍성한 강사진과 프로그램을 준비했다. 30여 개의 세미나로 구성된 워크숍 프로그램은 6월14일부터 9월19일까지 진행되며 한국의 텍스타일 디자이너 장응복을 비롯해 알바로 시자, 움베르코 캄파냐, 패트릭 노르게, 필립 말루엥, 세실 만츠, 하이메 야욘 등과 같은 유명한 디자이너들의 강연을 들을 수 있다. 디자인을 전공하거나 디자인 분야에 관심이 있는 18세 이상 성인이라면 누구나 지원 가능하다. 단, 모든 강좌는 영어로 진행되니 영어 능력은 필수다.
문의 www.boisbuchet.org
에디터 박명주

여름아 기다려
젊은 여성 디자이너 듀오로 구성된 ‘에떼 스튜디오 ete studios’는 2014년 여름, 다양한 상상력을 제품으로 풀어내기 위해 결성하고 여름이라는 뜻의 불어 ‘에떼 ete’라고 이름 지었다. 그림 파는 가게 비코와 연희동 사무실을 공유하던 그들은 얼마전, 드디어 신제품을 완성했다. ‘프로젝트 Project 001’은 선인장과 다육식물을 위한 화병과 화분 디자인으로 2가지 라인으로 선보인다. GV01, 02 제품은 홀더 위에 다육식물을 얹어 사용하는 화병이며 뿌리 외에는 물이 닿지 않도록 고안한 것이 특징. CP01, 02는 큰 사이즈의 식물을 위한 적동 화분으로 물이 많이 필요하지 않은 선인장의 특성을 살려 배수 구멍 없이 제작했다.
문의 www.etestudios.com
에디터 최고은

INTERVIEW
파펠리나 CEO 리나 리카드슨을 만나다

플라스틱 소재의 러그는 당신의 아이디어인가? 그렇지 않다. 플라스틱으로 만든 실처럼 얇은 소재의 러그는 스웨덴의 오래된 전통 러그다. 예전에는 차 안이나 식탁보 등으로 활용하기도 했다. 전쟁 이후 원유값이 오르면서 러그의 가격이 점점 오르게 됐고 다른 소재를 섞어 사용하기도 했다.

어떻게 러그를 만들게 되었나? 원래 손으로 뭔가 만드는 것을 좋아했다. 플라스틱 소재의 러그 전에 리넨이나 종이로 이것저것을 만들곤 했는데 늘 반응이 좋았다. 플라스틱 러그를 만든 지 얼마 되지 않아 <월페이퍼> 잡지를 통해 알려지면서 순식간에 유럽에서 판매를 하게 됐다.

패턴 디자인은 누가 하나? 디자인은 오로지 내가 전담하고 있다. 포토그래퍼인 남편이 사진 촬영을 비롯한 마케팅 등의 업무를 봐주고 운영자도 있긴 하지만 디자인만큼은 내가 직접 혼자 한다.

파펠리나의 러그는 단순한 무늬가 많다. 패턴을 디자인할 때 기준이 있나? 사실 나는 어떤 패턴을 만들기 위해 수백 장씩 스케치를 하거나 드로잉을 하지 않는다. 계속해서 많은 생각을 하고 고민하다 5개 정도의 패턴을 만들고 그 안에서 정한다. 늘 만들고 싶은 패턴이 있었고 러그로 제작됐을 때 반응도 좋아서 행운이라고 생각한다.

나라별로 인기 있는 패턴이 다른가? 지그재그 패턴인 비비는 거의 한국에서 팔린다. 스웨덴에서는 가장 무난하고 오래된 베라 패턴이 제일 많이 팔린다. 신기하게 독일에서는 별 모양 비고가 압도적으로 판매량이 높다.

파펠리나는 색다른 카탈로그 이미지로도 유명하다. 남편이 직접 사진을 찍는 줄은 몰랐다. 포토그래퍼인 남편과 나는 러그를 들고 여행을 한다. 러그와 잘 어울리는 곳이 있으면 주변 환경과 자연스럽게 어울리게 촬영을 하곤 한다. 재미있는 이미지를 만들기 위해 노력하는데 이번에 서울을 방문했을 때도 북촌에서 촬영을 했다.

비슷한 소재의 러그 브랜드에 비해 파펠리나 러그의 차별성은 무엇인가? 전통 플라스틱 러그를 파펠리나가 새롭게 재해석해 소개하면서 추종 브랜드도 많이 생겨났다. 파펠리나 러그는 모서리나 끝 부분의 완벽한 마무리가 다르다. 또 손으로 직조한 느낌에서 알 수 있듯 공정 부분에서도 사람의 역할이 크다. 러그 한 장을 만들기 위해서는 일주일 정도 시간이 걸린다. 또 바닥에 깔고 발에 닿았을 때의 촉감에서 알 수 있듯 파펠리나의 러그는 러그 본연의 목적에 충실한 제품이다.

에디터 신진수 | 포토그래퍼 신국범