갤러리를 방불케 하는 작품들, 그리고 그 위를 채우는 깊이 있는 사운드.

강희재 대표의 집은 오랜 시간 쌓아온 감각과 에너지가 자연스럽게 스며든 자화상 같다.

깔끔하게 디자인된 캐비닛이 인테리어를 해치지 않으며 조형적 역할까지 하는 라이라복스의 하이엔드 오디오 칼로타. 오드에서 판매한다. 따스한 색감이 인상적인 페인팅 작품은 홍세진 작가. 유기적인 형태의 사이드 테이블은 김윤환 작품. 소파는 B&B 이탈리아의 카멜레온다.

벽을 가득 채운 강렬한 회화 작품, 예상을 빗나가는 조형물의 배치, 무심한 듯 놓인 오브제들이 집 안에 흥겨운 리듬을 더한다. 그리고 그 에너지는 이 집 주인과 맞닿아 있다. 이곳은 패션 브랜드 UTG(업타운걸)의 대표이자 인플루언서로 활동하는 강희재의 집이다. 패션 업계에서 오랜 시간 쌓아 온 그녀의 감각은 이제 라이프스타일 전반으로 확장되며, 집 또한 정형화 된 틀에서 벗어나 패션, 음악, 예술이 교차하는 실험의 장이 되었다. 넓은 거실에는 웅장한 스케일의 작품을 배치해 공간감을 확장하고, 시야가 닿지 않는 높은 곳에도 작품을 거는가 하면, 의외로 좁은 복도에 크고 입체적인 작품을 걸어 밀도를 높이기도 한다. “작품을 거는 것도 감각이에요. 옷을 잘 입으려면 많이 입어봐야 하듯이, 그림도 많이 걸어보고 봐야 감이 생기죠.” 강 대표가 말하는 이런 원칙 덕분에 그녀의 공간에서는 예상치 못한 순간에 예술이 개입하는 색다른 즐거움을 경험할 수 있다. 예사롭지 않은 균형감은 음악과의 조화에서도 드러난다.

샛노란 컬러의 라껑슈 오븐이 주방에 생동감을 더한다. 그에 어울리도록 스테인리스 소재의 주방 가구를 맞춤 제작했다.

벽에 걸린 입체 작품은 로버트 모어랜드. 위에서 내려다본 도심 풍경을 그린 작품은 미겔 앙헬 이글레시아스. 좁은 복도에 대형 작품들을 걸어 몰입도를 한층 높였다.

활력이 넘치는 인테리어만큼이나 사랑스러운 매력을 가진 강희재 대표.

캐서린 번하드의 핑크 팬더 작품이 현관을 환히 밝힌다. 입구의 한쪽 벽면을 전체 거울로 마감해 때때로 홈 짐으로 사용한다. 벤치에 앉아 있는 고양이 조각품은 안태원.

나무 조각 위에 도심의 풍경을 담은 작품은 독일의 설치미술가 요르크 오베르크펠 Jörg Obergfell.

예술과 나란히 존재하는 또 하나의 요소가 바로 음악인데, 최근에 들인 라이라복스 Lyravox의 칼로타 오디오가 이를 완성한다. 하이엔드 오디오 브랜드 오드 Ode에서 취급하는 이 스피커는 단순히 청음 기기를 넘어 공간을 구성하는 하나의 오브제 역할을 한다. “원래는 모양이 독특한 혼 스피커를 썼어요. 디자인이 예뻐서요. 그런데 클래식부터 EDM까지 다양한 음악을 듣다 보니 모든 장르를 아우를 수 있는 스피커가 필요했죠. 결국 만능인 라이라복스를 선택하게 됐어요.” 그녀에게 오디오는 감각을 깨우고 공간과 조화를 이루는 하나의 예술적 선택이었다. “좋은 소리로 음악을 들으면 삶이 입체적으로 변해요. 피아노 연주는 마치 내 앞에서 직접 연주하는것 같고, 공연 실황을 들으면 진짜 공연장에 있는 것 같은 기분이 들죠.” 컬렉션을 쌓아가는 방식도 남다르다. “이 작품이 미래에 투자 가치가 있을지는 고민하지 않아요. 그냥 작품이 나를 부르면 사는 거죠.” 인물화의 경우자신과 닮은 그림을 중심으로 수집하며, 위트가 담긴 작품을 좋아한다. 거실, 복도, 주방, 심지어 화장실까지, 집 안 모든 공간에 그녀만의 시선으로 고른 작품이 자리하고 있다. “그림은 어느 순간 불쑥 나타나야 재미있어요.

애정하는 작가의 작품을 실크스크린으로 프린트해 벽지로 활용한 욕실. 거울을 통해 반사되어 보여지는 그림 배치가 인상적이다.

복도를 걷다 예상치 못한 곳에서 마주치는 작품이 주는 감각을 좋아하죠. 작품 배치의 변주를 통해 드라마틱한 분위기를 만드는 것을 즐겨요.” 공간을 구성하는 요소가 많지만, 그녀는 무엇이 주인공이어야 하는지에 대한 기준이 명확하다. ‘작품이 돋보이는, 작품을 위한 집이어야 할 것’. 이것이 바로 그녀가 지향하는 집의 모습이다. 오디오 시스템 역시 강한 개성을 드러내기보다는 공간과 자연스럽게 어우러져야 했다. 그런 점에서 미니멀한 디자인의 칼로타는 조화로운 균형을 유지하면서도 조용히 존재감을 발하기 때문에 더없이 완벽했다. 의외로 자신을 ‘집순이’라 소개한 강희재 대표의 하루는 음악과 함께 시작된다. 아침마다 노동요처럼 퀸 Queen의 ‘킬러 퀸 Killer Queen’을 듣는다. “너무 감성에 젖거나 축 처지는 음악은 아침에 안 들어요. 그렇다고 클럽 음악을 틀기도 뭐하고. 퀸의 음악이 딱 좋아요. 기분이 업 되면서도 부담스럽지 않아서요.” 그렇게 음악이 흐르고, 공간 속 예술이 눈을 사로잡으며 하루는 다시 시작된다. 그녀에게 집은 매일 감각을 깨우고 영감을 주는 살아 있는 공간이다. “저는 그저, 제 눈과 귀가 즐거운 게 중요해요!”

100년 전 디자인 혁신의 물결을 일으킨 아르데코가 다시금 우리 앞에 펼쳐진다. 과거의 혁신이 오늘날 우리에게 어떤 메시지를 전할지, 아르데코 100주년의 귀환을 주목해보자.

브뤼셀에 위치한 반 뷰렌 뮤지엄 & 가든 Van Buuren Museum & Gardens에서 열리는 전시 전경.

1925년 파리 만국박람회의 주제였던 아르데코가 100주년을 맞이했다. ‘데코’라는 단어 때문에 이를 단순히 ‘장식미술’이라고 생각해서는 곤란하다. 프랑스에서 20세기 초 떠오르던 산업 디자인과 관련된 많은 것을 프랑스어 표현으로 ‘데코레이션’이라고 불리던 것을 고려하면, 이 행사는 세계 최초로 ‘디자인’을 예술과 산업의 영역에서 주목한 국제적 규모의 전시회라는 특별한 의미를 더한다. 오늘날 우리가 알고 있는 대부분의 브랜드가 바로 이 전시회에서 대상을 받으며 두각을 드러낸 디자이너들이니, 명품 브랜드의 시작이 바로 100년 전이라고 해도 과언이 아니다. 아르데코 100주년을 기념한 행사도 세계 각지에서 풍성하게 펼쳐진다. 먼저 아르데코의 시작을 연 파리에서는 루브르 박물관 옆에 자리한 ‘아르데코 뮤지엄’을 주목할 만하다. 1925년 만국박람회에서 ‘컬렉터의 집’ 전시관을 운영하며 당대 최고의 인테리어 디자이너이자 가구 디자이너로 활동한 에밀 자크 루흐만 Émile-Jacques Ruhlmann에 주목하는 전시회(3월 5일~6월 8일)와 함께 당대 최고의 패션 디자이너였지만 비운의 삶을 살다간 폴 푸아레 Paul Poiret(6월 25일~2026년 1월 11일), 아르데코 컬렉션 재개관 전시(10월 21일~2026년 3월 29일) 등 특별전 3개를 잇달아 진행하며 연중 내내 아르데코를 기념할 계획이다. 이 외에도 파리에서 아르데코를 볼 수 있는 곳으로는 오르세 미술관의 장식미술 컬렉션, 블론뉴 빌랑쿠르에 위치한 1930년대 뮤지엄, 아르데코 시절 최고의 공연장이었던 폴리 베르제르, 사마리탠느 백화점 건물 등을 들 수 있다. 아르데코의 풍부한 유산을 간직하고 있는 벨기에의 수도 브뤼셀에서는 관광청과 함께 ‘아르데코 브뤼셀 2025’를 운영한다. 3월에는 주말마다 도심에서 다양한 테마로 아르데코의 코스를 투어하는 프로그램 바나드 Banad 브뤼셀을 운영하고, 아르데코풍 건축물 빌라 엉뺑 Villa Empain에 자리 잡은 보고시안 재단 미술관에서는 ‘아르데코의 메아리’(~5월 25일), 9월 문화유산의 날에는 아르데코를 테마로 다양한 프로그램을 운영할 계획이다.

에밀 루흐만의 티바탄트 데스크 Tibattant Desk. 메트로폴리탄 미술관 소장품.

아르데코의 유행은 유럽에만 그치지 않는다. 뉴욕의 하이라인을 장식하는 엠파이어 스테이트 빌딩에서부터 마이애미 해변가에 자리 잡은 낮은 건축물에 이르기까지, 좌우대칭의 화려한 아르데코 양식은 미국을 비롯해 전 세계적 유행으로 번져 나갔다. 1920년대 미국 뉴욕을 배경으로 한 영화 ‘위대한 개츠비’의 라이프스타일이 대표적인 예라 할 수 있다. 뉴욕역사박물관에서는 20세기 전반기 유행했던 변화하는 뉴욕 도시 모습을 담은 그림엽서 전시 ‘아르데코 시티’(~2월 17일), 4월 25일 세계 아르데코의 날 전후로 뉴욕의 아르데코 랜드마크를 둘러보는 ‘뉴욕의 봄’ 프로그램 등이 이어질 것이다. 이처럼 2025년에는 가는 곳마다 ‘아르데코’로 풍성한 한 해를 맞이하게 될텐데 이는 비단 2025년만의 일은 아니다. 2019년 바우하우스 학교 설립 100주년을 맞이하여 유난히 바우하우스 회고 전시와 이벤트가 많이 열린 것처럼, 100년 전의 이벤트는 오늘날 영감의 원천으로 작동하고 있다. 예를 들어, 2026년에는 모네 사망 100주년, 2029년에는 바르셀로나 만국박람회 100주년, 2033년에는 바우하우스 폐교 100주년, 2037년에는 파리 만국박람회 100주년 등이 이어질 전망이다. 노벨상 수상 작가 한강의 ‘과거가 현재를 구할 수 있는가?’라는 질문은 문화, 예술 측면에서도 이처럼 유효하다. 2020년대 들어서 팬데믹과 함께 현재까지도 정치, 경제적 혼란기를 겪고 있는 어려운 시절을 통과하고 있지만, 100년 전 변화를 꿈꾸었던 이들의 꿈이 여전히 우리에게 새로운 설렘과 희망을 안겨주고 있기 때문이다.

브뤼셀의 빌라 엠팡에서 열리는 에코 오브 아트 데코 전시 전경.

© Visit Brussels – Jean-Paul Remy

꽃을 통해 희망을 그리는 박종필 작가가 말하는, 지금 이 순간을 사랑해야 하는 이유.

박종필 작가의 개인전 <Between, the Fresh-m>의 전시 전경

이번 전시명이 <Between, the Fresh-m>인데 ‘m’이라는 알파벳이 추가된 이유가 궁금합니다. 모닝 morning의 앞 글자 ‘m’입니다. 이번 작업에는 기존 작업보다 더 희망적인 아침 풍경을 그리고 싶었거든요. 작업할 때면 새벽 꽃시장에 가서 구매한 꽃들을 작업실에 배치해보는데, 햇빛이 가장 좋고 밝은 시간이 오전 10시에서 11시 사이예요. 그 따뜻한 햇빛이 꽃에 비칠 때 모습을 담아 그려봤습니다.

이전 작업에선 케이크와 캔디로 메시지를 전달해왔고, 2010년부터는 꽃을 통해 양면성에 대해 이야기하고 계시죠. 케이크와 캔디 작업을 할 때에도 이중적인 것과 다의적인 것에 대한 관심이 많았어요. 그런데 당시 작품들을 보면 약간 그로테스크한 느낌이 있죠. 붉은 시럽은 미각을 자극하면서도 피를 연상시키기도 하고, 캔디나 케이크 토핑 속 과일을 보면 인간의 얼굴이 그려져 있거든요. 계속해서 다의적인 표현을 할 수 있는, 조금 더 희망적이고 긍정적인 소재가 필요한 시점에 꽃이라는 소재를 찾아 지금까지 작업하게 되었습니다.

캔디와 케이크, 꽃처럼 일상 요소들을 작업 소재로 삼는 이유는 무엇인가요? 아주 사소하고 흔해 빠진 것을 좋아하거든요. 때로는 사소한 것이 중요하지 않게 여겨지곤 하는데, 사실은 그런 것이 훨씬 더 가치 있다고 생각해요. 늘 옆에 있고 아무렇게나 대하는 가족이 가장 소중한 것처럼요. 가장 좋아하는 건 날치예요. 날치는 먹이사슬 최하위에 있는 물고기인데도 날잖아요. 그 자체로 의미가 있죠. 거기서 우리 모습을 보는 것 같기도 하고, 저는 그런 것에서 매력을 느껴요.

, 2024, Oil on canvs, 91×116.8cm.

박종필 작가.

작가님의 꽃 작품 속엔 생화와 조화가 함께 어우러져 있는 것이 큰 특징입니다. 진짜와 가짜의 차이는 없다고 얘기하고 싶었어요. 그림 그릴 때 가장 바탕이 되는 건 중용의 사상입니다. 화엄경의 핵심 사상인 유심조는 ‘모든 것은 오직 마음이 지어낸다’는 이야기를 해요. 대상을 바라볼 때 어떤 식으로 바라보느냐에 따라서 그 대상의 본질이 달라지는 것은 이 때문입니다. 실제로 시중에서 파는 조화를 봐도 생화와 구분이 안 될 정도로 똑같아요. 조화라고 아름답지 않은 것이 아니고, 생화가 시든다고 해서 아름답지 않다고 말할 수도 없어요. 이런 것처럼 우리는 무엇이 좋고, 무엇이 나쁘다고 제대로 정의 내릴 수 있을까요? 그림 속엔 조화와 생화가 같이 있고, 무엇은 가짜고 무엇은 진짜라는 답이 존재하긴 하지만, 그것은 구분하기 전까지 알 수 없는 문제예요. 굳이 구분한다고 하더라도 의미가 없는 것이고요. 마치 한 사람 안에 좋은 면과 나쁜 면이 혼재되어 있듯이 모든 것엔 양면성이 있지만, 그 생화와 조화를 구분하는 게 무의미한 것처럼 우리는 그것을 꼭 구분 짓지 않아도 될 거예요.

이번 전시에는 나비, 의자 등 다른 사물이 처음으로 꽃과 함께 등장했는데요. 예전 작업에는 정물화 느낌이 있었다면, 이제는 이야기가 있는 풍경화처럼 느껴지기를 바랐어요. 빛도 중요하지만, 그 작품 안에 들어 있는 메시지가 조금 더 다양했으면 좋겠다는 작가로서의 욕심이 반영된 거죠. 이제는 제가 생각하는 휴식이나 유심조, 오아시스, 이상향 같은 것을 양념처럼 뿌리는 재미를 주는 작품을 하고자 합니다. 의자로는 휴식을, 나비로는 희망찬 것을 이야기하고 싶었고요. 자세히보면 나비도 진짜 나비와 가짜 나비가 있을 거예요.

빛과 나비, 그리고 화사한 꽃들을 통해 계속해서 희망을 이야기하는 이유는 무엇인가요? 어차피 삶이라는 것은 살아야 되는 거잖아요. 이왕 살 거면 좋은 방향으로 살자는 생각을 기본적으로 가지고 있어요. 그래서 중용에서 비관으로 가는 게 아니라, 긍정으로 가는 거죠. 그림도 마찬가지예요. 그림 그리는 행위에는 고통이 따르고 힘들지만, 이 고통이 지난 뒤 그림이 완성됐을 때 다른 사람들은 내 그림을 보고 긍정적인 감정을 느끼면 좋겠다는 거죠. 고통을 보면 아프지만 그 너머의 꿈을 생각하면 아무렇지 않아지는 것처럼, 작가는 그런 작업을 해야 합니다. 내가 꽃이 될 수도 있고, 인생은 충분히 아름다울 수 있다는 것. 그것이 제가 희망을 말하는 이유입니다.

박종필 작가의 개인전 <Between, the Fresh-m>의 전시 전경

작품을 만드는 것은 면밀하게 내면을 살펴보는 수행과 같다는 생각이 드네요. 예술은 수행이에요. 피카소처럼 천재적인 재능을 갖고 태어난 작가나 앤디워홀처럼 머리가 좋은 작가, 번뜩이는 디지털 아트를 하는 작가 등 예술가 중엔 여러 부류가 있지만, 저는 그런 부류는 아니에요. 저는 그저 예술을 하나의 승화, 그러니까 하나의 수행 과정이라고 생각하거든요. 작가가 갖고 있는 생각은 사실 모든 이들이 갖고 있는 생각이기도 해요. 예술가의 역할은 이런 생각을 수행자적 관점을 통해 작품으로 만들어내는 거겠죠. 예를 들어 한 작품에 꽃 열 송이가 있다면, 그 열 송이 다 힘들게 그리는 거예요. 그래야만 그 작품이 예술이라는 범주 안에 조금이라도 발을 걸쳐놓는 것이라고 생각해요.

박종필 작가의 개인전 <Between, the Fresh-m>의 전시. 전시는 3월 13일까지 이태원동에 위치한 박여숙화랑에서 진행된다.

꽃을 통해서 인간을 표현한다고 하셨습니다. 그렇다면 작가님께서 생각하시는 인간의 이상향은 무엇인가요? 현재죠. 우리가 이상향이에요. 제 꽃 그림에는 예쁜 순간을 담은 것처럼, 지금이 그 예쁜 순간이에요. 한 인간 안에는 모든 게 들어있잖아요. 이렇게 웃고 있지만 내 안에는 나쁜 것도 있고, 화날 때도 있고, 슬플때도 있고 너무 즐거울 때도 있고요. 사실은 슬플 때나 아플 때가 훨씬 많을거예요. 하지만 지금 우리가 대화하는 것처럼, 밖으로 우리를 보여줄 때 우리는 웃고 있잖아요. 울면서 다른 사람을 만나지는 않죠. 그러니 바로 지금 이순간이죠. 그래서 지금 이 순간을 사랑해야 돼요. 누구나요.