Picnic Season

럭셔리 피크닉 바스켓과 테이블웨어로 완성하는 초록 들판 위 여름 정찬.

드레스드 에어 피크닉 세트

드레스드 모카 컵 & 컵받침

드레스드 에어 커틀러리 세트

드레스드 에어 샐러드볼

드레스드 에어 피처

드레스드 에어 컵

ALESSI
이탈리아 북부 알프스산맥 자락의 작은 마을 오메냐에서 1921년 창립된 알레시 Alessi는 ‘디자인 팩토리’라는 별칭처럼, 산업 생산과 예술적 실험의 경계를 허물며 동시대 이탈리아 디자인을 이끌어온 브랜드다. 리처드 사퍼, 알도 로시, 필립 스탁 등 거장들과 협업하며 기능주의를 감각적인 오브제로 재해석해온 이들은, 일상 물건을 시적이면서도 유머러스한 형태로 빚어내는 데 탁월한 안목을 지닌다. 이러한 철학은 야외 식사를 위한 테이블웨어 라인 ‘드레스드 에어 Dressed Air’ 시리즈에서도 유감없이 드러난다. 우아하게 짜인 바스켓에 담긴 피크닉 세트는 패브릭 라이닝과 고정끈이 있어 안정성까지 갖췄다. 플레이트, 글라스, 커틀러리, 서빙 아이템으로 이루어진 구성은 실용성과 심미성을 동시에 갖췄으며, 내구성 좋은 소재와 섬세한 디테일은 품격 있는 아웃도어 다이닝을 가능하게 한다. 의도적으로 숨겨진 장식 요소는 발견의 즐거움을 선사하며, 알레시만의 재치와 감각을 보여준다.

포트넘 피크닉 매트

포트넘 피크닉 매트

포트넘 와일드 가든 머그 & 플레이트

포트넘 로제 스파클링 티

FORTNUM & MASON
1707년 런던 피카딜리 거리에서 출발한 포트넘 앤 메이슨 Fortnum & Mason은 영국 왕실의 사랑을 받아온 고급 티 및 그로서리 브랜드로서, 차 문화의 정수를 지켜온 헤리티지와 감각적인 일상 미식의 경험을 아우른다. 브랜드의 정체성을 고스란히 담은 피크닉 햄퍼는 단순히 야외 도시락을 넘어, 영국 전통의 품격과 실용성을 결합한 이동식 테이블의 정수를 구현한다. ‘와일드 가든 Wild Garden’ 햄퍼는 시그니처 컬렉션에서 따온 에나멜 플레이트와 머그, 글라스, 커틀러리를 포함해 피크닉을 위한 다양한 액세서리가 정갈하게 구성되어 있다. 소금과 후추 그라인더, 와인 오프너, 플라스크와 샌드위치 백, 쓰레기 수거용 백 등 작지만 필수적인 액세서리까지 빠짐없이 담아 디테일에서 오는 완성도가 돋보인다. 전통적인 위커 바스켓 안에 정갈하게 정리된 구성은 실용성과 심미성의 균형을 이루며, 야외에서도 포트넘 특유의 절제된 우아함과 실용적인 미식을 완성하는 테이블을 가능케 한다.

타히티 바 셰이커

타히티 플루트

타히티 글라셋

타히티 플랫웨어 세트

타히티 얼음집게

BUCCELLATI
100년이 넘는 역사를 지닌 이탈리아 하이 주얼리 브랜드 부첼라티 BUCCELLATI는 르네상스 장인정신과 귀금속 공예의 정수를 계승해온 이름이다. ‘보는 것이 곧 예술을 만나는 것’이라는 철학 아래, 부첼라티는 식기와 오브제에 이르기까지 장식 예술의 아름다움을 일상 속에 스며들게 해왔다. 타히티 시리즈는 1960년대에 요트 위에서 사용할 커트러리를 원한 이탈리아 기업가의 의뢰로 탄생했다. 이어 디자이너 파트리시아 우르퀴올라와 협업해 탄생한 타히티 피크닉 바스켓 세트는 베이지와 브라운 톤의 가죽 직조물이 외관을 감싸고, 내부는 따뜻한 톤의 스웨이드로 마감한 목재 구조로 이루어진 것이 특징. 메종의 상징적인 타히티 실버웨어와 이탈리아 도자 브랜드 지노리 1735와의 협업으로 제작된 테이블웨어를 위한 수납 구조가 정교하게 짜여 있으며, 최고 수준의 장인정신이 깃든 유려한 형태와 구성은 이 바스켓을 하나의 휴식과 미감의 상징으로 만든다. ‘타히티’라는 이름은 말년을 타히티에서 보낸 화가 폴 고갱의 시선에서 빌려온 것으로서, 그가 담아낸 풍경과 여정, 색채의 감각을 상기시킨다.

페퍼 셰이커

피크닉 바스켓

언더플레이트

커틀러리 박스

글라셋

샴페인 박스

로테이팅 트레이

POLTRONA FRAU × GIOBAGNARA
1912년 이탈리아 토리노에서 시작된 폴트로나 프라우 Poltrona Frau는 이탈리아 장인정신을 대표하는 가구 브랜드로서, 고유의 가죽 공법 ‘펠레 프라우 Pelle Frau’를 통해 수많은 아이코닉한 오브제를 만들어왔다. 유서 깊은 역사는 가구를 넘어 자동차와 공간과 하이엔드 리빙 분야로 확장되어 오늘날까지 섬세한 수작업과 조형미의 기준을 새롭게 갱신해오고 있다. 브랜드의 철학은 지오바냐라 Giobagnara와의 협업에서도 이어진다. 두 브랜드가 공동으로 선보인 피크닉 바스켓은 이들의 미학이 조화롭게 얽힌 오브제다. 펠레 프라우 가죽으로 외관을 감싸고, 월넛 손잡이와 내부의 스웨이드 마감으로 정제된 균형감을 더했다. 유리 텀블러와 보온병, 도마와 금속 용기, 커틀러리와 셰이커 등 구성을 빠짐없이 갖춘 바스켓은 그 자체로 따뜻한 계절의 피크닉 장면을 완성해주며, 일상과 휴식의 접점에서 쓰임의 기쁨을 새기는 미감의 구조를 완성했다.

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에디터

문혜준

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#부첼라티

#알레시

#여름 피크닉

#테이블웨어

Couture House

스타일과 룩, 라이프스타일에는 경계가 없어 패션 디자이너들의 감각과 탁월한 장인정신의 세련됨은 긴밀한 연관을 이룬다.
실루엣을 매만지듯 각 인테리어를 감싸고 정화해 일상을 황홀하게 만드는 이들의 조화.

산화 브론즈로 된 플로어 램프 ‘파올라 Paola’, 메종 를뢰 Maison Leleu, 높이 160cm. 떡갈나무와 가죽으로 된 암체어 ‘앙셀 Ancelle’은 세실리에 만즈 Cecilie Manz 디자인, 에르메스 Hermès. 구두 ‘레거시 Legacy’는 루이 비통 Louis Vuitton.

Delicate Interlacings

블로잉 유리로 된 촛대 ‘살렌토 Salento’는 디올 메종 Dior Maison. 코튼 패브릭 ‘콰트르포일 브라운 Quatrefoil Brown’은 루크 에드워드 홀 Luke Edward Hall 디자인, 길이 50cm. 루벨리 Rubelli 제품. 가죽 발레화 ‘디-저니 D-Journey’는 디올 Dior. 떡갈나무, 직조한 면, 가죽 커버링으로 된 수납장 ‘레가타 Regattas’는 패트릭 주앙 Patrick Jouin 디자인, 루이 비통.

Chromatic Fibers

휴대용 조명 ‘코롤 Corolle’은 디올. 패브릭 ‘모토유이 Motoyui’를 입힌 긴 의자 ‘샤를 케이 Charles K’는 K-3 바이 겐조 타카다 K-3 by Kenzo Takada, 가로 80 ×깊이 173 ×높이 77cm. 쿠션 ‘오트로 문도 Otro Mundo’, ‘밀라 토마트 Mila Tomate’, ‘솔레이유 오지에 Soleils Osier’, ‘라티스트 모자이크 L’artiste Mosaique’, ‘제니스 플뢰브 Zenith Fleuve’, ‘트랭크타이유 테르 퀴트 Trinquetaille Terre Cuite’는 크리스찬 라크르와 디자이너스 길드 Christian Lacroix & Designers Guild 제품.

파트리시아 우르퀴올라 Patricia Urquiola가 디자인한 꽃병과 도자기 접시는 모두 루이 비통. 실크 타프타 Taffeta 패브릭 ‘그레이스 Grace’, C&C 밀라노 C&C Milano, 길이 325cm. 스웨이드 가죽 에스카르 은 조르지오 아르마니 Giorgio Armani.

떡갈나무, 직조한 면, 가죽 커버링으로 된 수납장 ‘레가타’는 패트릭 주앙 디자인, 루이 비통. 면 자카드와 비스코스 혼방 패브릭 ‘세컨드 파이어링Second Firing’은 피터 마리노 Peter Marino 디자인, 길이 140cm. 루벨리 제품. 금속 잔, 꽃병, 찻잔과 줄무늬 도자기 머그 ‘카 도로 Ca D’oro’, 도자기 커피잔과 파란 꽃병 ‘루나 파라이소 블루 Luna Paraiso Blue’는 지거 바이 피우르스텐베르그 Sieger by Fürstenberg 제품.

Table Runners

크리스털 병과 유리잔은 트위스트 1586 스피리튀외 Twist 1586 Spiritueux 컬렉션, 생-루이 Saint-Louis. 도자기 빵 접시 ‘일 비아지오 디 네투노 Il Viagio di Nettuno’, 도자기 접시 ‘라비린토 Labirinto’와 ‘오리엔테 이탈리아노 Oriente Italiano’는 지노리 1735 Ginori 1735. 트레이와 디저트 접시 ‘레 그리-그리 드 무슈 디올 Les Gris-gris de Monsieur Dior’은 코델리아 드 카스텔란 Cordelia de Castellane 디자인, 래커를 칠한 나무 그릇 ‘CD 앙트르라세 CD Entrelace’ 모두 디올 메종 제품. 송아지 가죽 샌들 ‘킨 90 Keen 90’은 에르메스.

The Art of the Metamorphosis

양모, 면, 라피아, 나무 구슬에 자수를 놓은 태피스트리와 의자 ‘폼페이 Pompei’는 라 수르스 가루스트 La Source Garouste 조합의 연간 옥션을 위해 디자인했다. 19M 컬렉션으로 르사주 앵테리외르와 빅투아르 드 브랑트 Lesage Interieurs & Victoire de Brantes 제품. 흰색 새틴과 구리색 메탈 실로 장식한 면에 자수를 놓은 파티션 ‘라이트 & 데이 Light & Day’는 질 & 부아시에 Gilles & Boissier, 가로 60 ×깊이 40 ×높이 1250cm. 무라노 유리잔과 카라페 ‘리도 Lido’는 아쿠아주라 Aquazzura 제품.

전부 손으로 수놓은 가방 ‘레이디 디올 Lady Dior’, 아트 Art 컬렉션은 아티스트 다니엘 매키니 Danielle Mckinney 디자인으로 디올. 패브릭 ‘모토유이’를 입힌 푸프 ‘쿠보 Cubo’는 K-3 바이 겐조 타카다. 실크 타프타 패브릭 ‘그레이스’는 C&C 밀라노, 길이 325cm. 무라노 유리잔과 샹파뉴 잔은 라 더블 제이 La Double J 제품.

CREDIT

에디터

메종

포토그래퍼

아델 슬리만 페시 Adel Slimane Fechi

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#룩

유쾌함 너머의 진심

화려한 색과 익숙한 캐릭터들로 겹겹이 쌓아올린 캔버스.
그 너머엔 캐서린 번하드가 끈질기게 쌓아온 예술에 대한 진심 어린 사랑이 배어 있다.

작가의 작업실을 그대로 옮겨놓은 듯한 마지막 전시장에는 캐서린 번하드의 최신 신작 또한 전시되어 있다.

이번 전시의 제목은 ‘Some of All My Work’입니다. ‘모든 것’을 지칭하는 All과 ‘일부’를 지칭하는 Some이 함께 쓰였다는 점이 흥미로운데요. 전시명 그대로 당신의 모든 작업 중 일부를 선보이는 본 전시에서, 그 ‘일부’를 고르게 된 기준은 무엇이었나요? 워낙 많은 작업을 하다 보니, 아무리 대규모 회고전이라 해도 모든 작품을 가져올 수는 없었습니다. 이번 전시는 내 스튜디오와 개인 창고에 있던 작품 위주로 구성했고, 세인트루이스 스튜디오에 직접 방문한 큐레이터들과 함께 보관소, 아카이브까지 찬찬히 살피며 세심하게 셀렉했어요. 초기작인 슈퍼모델 작업부터 쿠키 몬스터, 나이키, 포켓몬 시리즈와 신작까지. 지금까지 작업한 시리즈 중에서 몇 점씩 골라 전시에 포함시켰습니다.
개인적으로 첫 번째 전시장에 있는 슈퍼모델 시리즈가 인상적이었습니다. 일반적으로 캐서린 번하드 하면 떠올리는 유쾌한 캐릭터와 비비드한 색감의 작업물과는 다소 거리가 있죠. 전체 작품 중 제가 가장 좋아하는 작품이에요. 요즘 제 작업들보다 확실히 어둡고 두텁죠. 대학 시절부터 거의 10년을 이렇게 작업해왔는데, 그러다 보니 질리더라고요. 제 작업은 모두 제 관심사에서 출발해요. 관심사가 자연스레 옮겨가며 작업 대상도 변했어요. 1980년대의 음악과 헤어스타일, 옷, 건축, 색감을 좋아해 그것을 스와치 시리즈에 녹여내기도하고, 모로코 러그에 빠져 해당 시리즈를 그리기도 했죠. 각각의 러그엔 악령을 쫓거나, 순산을 기원하는 등의 상징이 들어 있어요. 상징성과 연결되는 제 작업과 잘 맞죠. 나머지 시리즈도 마찬가지예요. 작업할 당시에 가장 관심 있는 주제, 그로부터 출발합니다.
예전엔 단일 오브젝트를 중심으로 그렸다면, 지금은 한 캔버스에 다양한 사물이 들어 있는 것도 변화의 한 부분일까요? 맞습니다. 하지만 늘 사물에 초점을 둔 점은 변하지 않아요. 화장지, 양말, 컴퓨터, 피자, 담배 같은 주변에서 볼 법한 일상적인 오브제가 중심이 될 때가 많죠. 한때는 제 아들이 포켓몬 카드를 엄청 모으는 걸 보고는 ‘이걸 그려야겠다’ 싶었어요 그렇게 탄생한 것이 포켓몬 시리즈입니다.

집 창고로 향하는 복도를 그대로 재현한 전시 공간.

초기작인 슈퍼모델 시리즈는 작가가 가장 좋아하는 작품 중 하나이다.

유쾌한 미소를 짓는 캐서린 번하드 작가.

세인트루이스 집의 샤워실까지 실제처럼 구현했다.

스튜디오를 재현한 마지막 전시장을 보고 당신의 작업 세계를 더욱 깊이 이해할 수 있었습니다. 바닥 곳곳을 물들인 물감 자국부터 영감 노트와 물감 팔레트, 여기저기 꽂혀 있는 포켓몬 카드, 책상 위 시리얼 박스와 과자 봉지 등은 모두 그림에서 본 익숙한 사물들이에요. 심지어 한쪽에 배치된 피자 박스는 우리 지역에서 유명한 이모스 Imo’s 피자예요. 책상 위 ‘럭키 참’ 시리얼은 제 신작에도 자주 등장하는데, 요즘 제가 빠져 있는 시리얼이고요. 초록 타일에 주황색 줄눈이 특징인 샤워실도 전시장에 재현했어요. 집에 샤워실이 네 개 있는데, 정말 이렇게 생겼어요. 제 작품 중 핑크 팬더가 목욕을 하는 <Tub Time>에서도 이 타일을 볼 수 있죠.
공간 그 자체도 하나의 예술작품 같다는 생각이 드네요. 작품뿐만 아니라 작업 공간까지 비비드한 색채로 물들인 것을 보니, 당신에게 색이 갖는 의미가 궁금해졌습니다. 개인적으로 집을 회색으로 칠한 사람들은 이해하지 못하겠어요. 색은 감정을 자극하잖아요. 기분을 좋게 만들고요. 작업할 때는 실물 색을 그대로 쓰는 편이고, 어울리는 조합을 생각해가며 작업하기도 해요. 그럴 때는 그날의 기분에 따라 보통 직관적이고 즉흥적으로 결정해요. 제 작업물이 가끔씩 다른 분위기를 풍기는 것은 그 이유죠.
관객 또한 작업을 보면 직관적으로 반응하게 되죠. “예술은 사랑과 같다. 무슨 해석도 필요 없다”고 말한 샤갈의 말이 떠오르기도 합니다. 현대 미술은 정치적이거나 사회적인 메시지를 전달하는 경우가 많죠. 하지만 저는 그런 것보다는 그저 회화 자체에 집중하는 편이에요. 그림 그리는 걸 좋아하고, 그리고 싶은 것을 그립니다. 관객들도 그저 제 그림을 보고, 느낌을 받으면 되는 거예요. 제 작품을 좋아할 수도 있고 싫어할 수도 있고, 각자의 관점에 온전히 맡기는 거죠. 생각해보니 제 작품이 관객과 관객의 일상에 기쁨을 준다는 점에서 사회적이라고 할 수도 있겠네요. 그렇다고 제 작품이 진지하지 않은 것은 아니에요. 저는 매일 스튜디오에 가서 작업하는데, 이건 진지한 행위예요.
한때 컴퓨터와 기술의 시대에 붓을 들고 그림 그리는 일을 “무언가 원초적인 것”이라고 표현하며, “이 행위가 재미있다”고 말한 적이 있죠. 지금은 그로부터 기술이 더 발전해 AI가 그림을 그리는 시대가 왔습니다. 이를 예술이라 정의 내릴 수 있을까요? 그건 예술이 아니에요. AI가 만든 그림은 예술이라 칭할 수 없다고 생각해요. 인간이, 인간의 손으로 만든 창작물만이 예술이라 불릴 수 있다고 생각합니다. 그림은 보는 이의 기분을 좋게 하고, 볼 때마다 새로운 요소와 디테일을 찾게 되는 매력이 있죠. 감정이 없는 AI가 만든 그림이 이런 기쁨을 전달할 수 있을까요? 저는 아니라고 생각합니다.
그런 의미에서 이번 전시에 대한 감회가 더욱 남다를 것 같습니다. 당신의 예술에 대한 진지한 태도를 담은 세계 최초의 회고전이자 최대 규모의 개인전이 열리는 것이니까요. 정말 처음이죠. 지금 이곳에 있을 수 있어서 아주 좋고 행복해요. 그림 그리는 기쁨이 한국 관객들에게도 전달되면 좋겠어요. 이를 통해 영감을 받을 수 있다면 더욱 좋고요.

CREDIT

에디터

문혜준

포토그래퍼

허동욱