2년에 한 번씩 개최되는 조명 전시관 에우로 루체는 그 어느 전시관보다 환하게 빛난다. 그곳에서 찾은 눈길을 사로잡은 조명 11개를 소개한다.

1. 식물도 같이 걸어요
식물을 기르는 사람이라면 조명 아래 바로 식물을 두지 않는다. 조명광에 말라죽기 때문이다. 비비아 Vivia에서는 식물을 함께 걸어 조명의 일부가 되는 팔마 Palma를 출시했다. 상황에 따라 행잉으로, 벽으로 연출할 수 있을 뿐 아니라 무엇보다 식물에게도 해롭지 않은 조도와 광량을 사용했다. 조만간 플랜테이너 조명의 대표 작품이 될 듯.

2 사이버틱 샹들리에
샹들리에 하면 우아한 스타일만 떠올리지만 로렌차 보촐리 Lorenza Bozzoli 디자인의 라 롤로 La Lollo는 이런 고정관념을 완벽하게 깨준다. 프리즘 메탈이 부착된 샹들리에의 겉면은 빛의 반사에 따라 오묘한 빛을 내뿜어 스포트라이트 역할을 충분히 해준다.

3 주얼리 같은 조명

조명 디자인계의 공룡 디자이너로 불리는 마이클 아나스타시아데스 Michael Anastassiadess는 올해 플로스 Flos에서 액세서리 같은 디자인의 어레인지먼트 컬렉션을 선보였다. 서로 다른 모양의 유닛을 연결하면 체인 형태로 혹은 기하학적인 형태를 만들 수 있는 이 조명은 마치 귀고리 같기도 하고 때로는 목걸이처럼 보인다. 조명을 디자인할 때 염두에 둔 ‘펜던트’라는 단어가 가지고 있는 두 가지 의미가 모두 담겨 있는 재미있는 디자인이다.

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4. 조명으로 만든 무릉도원
잘 익은 복숭아가 주렁주렁 매달린 무릉도원을 보는 듯했던 보치 Bocci의 84 시리즈. 유리 안에 구리로 만든 그물 소재의 바스켓을 넣고 뜨거운 유리를 부어 성형한 84 시리즈는 자세히 들여다보면 내부에 각기 다르게 성형된 구리 바스켓을 발견할 수 있다. LED 조명으로 은은한 핑크빛이 감도는 84 시리즈는 개수에 상관없이 몽환적인 분위기를 만들기에 제격이다.

5. 장식의 미
포스카리니 Foscarini의 필로 Filo는 주얼리 성격이 강한 조명이다. 아름다운 목걸이를 스탠드에 걸어둔 듯한 장식적인 조명으로, 디자이너는 불빛이 나오는 부분과 전깃줄, 스탠드 하나까지도 개별적으로 돋보이게 하고 싶었다고 전했다. 다양한 총 8개의 컬러 조합으로 만나볼 수 있어 더욱 매력적이다.

6. 바우하우스 오마주
론칭한 지 10년도 안 되는 젊은 브랜드인 램버트&필스 Lambert&Fils의 로렌트 Laurent 컬렉션은 바우하우스와 모더니즘의 영향을 듬뿍 받은 조명이다. 구형과 사각형 등 도형적인 결합으로 이뤄진 조명은 간결하지만 아르데코의 우아함도 느낄 수 있다. 앞으로가 더욱 기대되는 브랜드다.

7. 빛나는 새
네리&후 Neri&Hu가 아르떼미데 Artemide에서 발표한 얀지 Yanzi는 중국어로 제비를 뜻한다. 동그란 전구는 새의 머리가 되고 마감한 황동 소재로 다리와 날개를 표현했다. 플로어, 펜던트, 테이블 조명으로 만날 수 있는 얀지는 어느 곳에 두어도 공간을 시적으로 만들어준다.

8. 불어주세요
80세가 넘은 나이에도 왕성하게 활동하고 있는 잉고 마우러 Ingo Maurer가 자신의 부스에서 소개한 조명 블로우 미 업 Blow Me Up은 은색 풍선처럼 팽창한 튜브 안에 삽입된 조명으로, 벽에 기대거나 매달거나 바닥에 두는 등 다양하게 활용할 수 있는 유머러스한 디자인의 조명이다.

9. 구조적인 아름다움
폰타나 아르테 Fontana Arte 조명은 구조적으로 아름다운 디자인이 돋보이는 브랜드다. 이번에 출시한 시칠리아 출신의 건축가 프란체스코 리브리치 Francesco Librizzi가 만든 세타레 Setareh도 그렇다. 테이블 조명과 펜던트 등 15가지로 선보여 선택의 폭도 넓혔다.

10. 암호 같은 조명
손에 잡고 불어 만든 크리스털 실린더와 샴페인 컬러의 금속으로 이어진 구조적인 디자인의 사이퍼 Cipher는 스튜디오 야부 푸셀버그 Yabu Pushelberg가 디자인한 조명으로 언뜻 보면 모르스 부호 같기도 하다. 가로와 세로 방향으로 다양하게 선택할 수 있으며 주름진 크리스털 실린더에서 빈티지한 매력도 느낄 수 있다.

11. 날씬한 조명
데이비드 그로피 David Groppi의 하시 Hashi 조명은 두 개의 막대가 서로 이어붙어 있는 형태. 배치하는 방법에 따라 막대가 서로 빗겨서 2줄로 연출할 수 있으며 때로는 일자형이나 ‘ㄱ’자형 등 3단계로 유연하게 변신할 수 있는 플로어 조명이다.

밀라노 디자인 위크에서 만난 핫 키워드 4가지를 소개한다.

1. 부티크 호텔 같은 집

디자인과 라이프스타일의 트렌드를 이끌어가는, 소위 빅 브랜드로 불리는 모오이 Moooi, 프리츠 한센 Fritz Hansen, 디젤 홈 Diesel Home 등의 브랜드는 올해 약속이라도 한 듯 호텔 컨셉트의 공간을 연출했다. 피곤하고 불안정한 세상으로부터 잠시라도 떠나고 싶은 이들의 마음은 결국 ‘집’으로 향한다는 세계적인 트렌드를 반영, 현실 도피성 심리를 ‘호텔 같은 집’으로 해석한 것으로 보인다. 먼 곳으로 휴가를 온 듯한 기분을 만끽할 수 있는 즐거운 일탈이 있는 ‘호텔 같은 집’은 향후 몇 년간 이어질 트렌드가 될 것으로 예상된다.

모오이의 전시장 모습

프리츠 한센이 연출한 프리츠 호텔

 
2. 미래지향적인 광택 가구

10 꼬르소꼬모에서 열린 패션 디자이너 피에르 가르뎅 Pierre Cardin의 <레스 스쿱투레스 우틸리타이레스 Les Scuptures Utilitaires> 전시에서는 패션 디자이너이기 전 건축학도였던 그가 만든 20여 점의 목제 캐비닛을 선보였다. 1970년대 제작된 이 가구들은 실험적이고 전위적인 스페이스 룩을 위해 만들어진 것으로 전통적인 래커와 목제 캐비닛을 기하학적으로 만드는 기술이 결합되었다. 미래형 가구의 모습이 담겨 있어 새로운 디자인을 추구하는 이들의 시선을 단숨에 사로잡기 충분했다. 엠메모빌리 Emmemobili는 올해 광택 있는 테이블, 캐비닛 등을 대거 출시해 모던 가구가 즐비한 전시장에서 단연 돋보였다. 로산나 오를란디Rossana Orlandi에서 만난 스칼렛 스플렌더 Scarlet Splender는 작년에 이어 올해도 마테오 시빅 Matteo Cibic이 디자인한 광택 가구와 소품을 출시했다.

피에르 가르뎅 전시

엠메모빌리 테이블

에르메스 ‘옥타고날’ 박스

3. 뉴 아이콘, 키치 아이템

올해 패션 트렌드 중 하나인 키치 Kitsch. 1960~70년대 유행했던 히피 무브먼트를 기반으로 한 키치는 인테리어 아이템에서도 두각을 나타내고 있다. 패션에 구찌 고스트 Gucci Ghost 라인이 있다면 가구 브랜드에서는 이탈리아 브랜드 키부 Qeeboo와 셀레티 Seletti가 대표적인 예가 될 듯. 키부에서는 올해 ‘엑스트라오디너리 오브젝트 Extraordinary Objects’ 컬렉션을 출시했는데 스튜디오 욥 Studio Job과 협업한 상어 모양의 우산꽂이, 해골 모양의 스툴 겸 조명, 킹콩 램프 등을 선보여 마치 만화에서 튀어나온 듯한 우스꽝스러운 디자인을 선보였다. 늘 유쾌한 디자인을 선보이는 브랜드 셀레티는 블로 Blow 컬렉션을 출시했는데 입술, 소시지 모양의 네온 라이트를 비롯해 달걀 프라이 모양의 러그, 바나나 모양의 조명을 선보였다. 키치 아이템은 잠깐 스쳐 지나가는 유행이 아니라 하나의 트렌디 아이콘으로 자리 잡기 시작했음을 염두에 둘 것.

셀레티 ‘바나나’ 램프

키부의 ‘킹콩’ 램프

4. 소재의 한계에 도전하는 아웃도어 가구

로 피에라 전시장에서 만난 아웃도어 가구 브랜드 중 집중 조명을 받은 곳은 필리핀 디자이너 케네스 코본푸 Kennth Cobonpue의 전시장. 자연 소재에 혁신적인 디자인의 적용과 전통 수작업 방식으로 만든 아시아의 에스닉이 담긴 그의 가구는 새로운 디자인을 갈망하는 이들의 발길을 붙잡기 충분했다. 햇빛 차양막 모빌솔을 개발해 화제를 일으킨 벨기에 엄브로사Umbrosa는 벽이나 식탁 위에 유연하게 설치할 수 있는 커다란 우산처럼 생긴 ‘스펙트라Spectra’ 등 흥미로운 제품군을 다수 선보였다. 독일의 아웃도어 가구 브랜드 데돈에서는 ‘하이드웨이 비치 Hideway Beach’를 컨셉트로 한 시원한 아웃도어 공간을 연출해 답답하고 후끈거리는 전시장에 오아시스 같은 역할을 담당했다. 한편 모로소 Moroso에서는 영국 디자이너 벤자민 휴버트가 만든 아웃도어 가구 ‘텐트 Tent’의 프로토타입이 큰 화제를 모았다.

데돈 전시장

모르소 ‘텐트’ 체어

에뮤의 아웃도어 체어

INTERVIEW – 낭비 없는 디자인, 벤자민 휴버트

 모로소와의 작업은 언제부터 시작했나? 2013년 탈마 Talma 암체어를 디자인하며 시작되었다. 독창적인 텍스타일을 분석하고 발전시킨 체어였다. 다른 소파나 암체어와 달리 탈마는 패드를 덧댄 엠보 커버를 메탈 프레임으로 망토와 같이 감싸는 형태다. 엄청난 양의 주입 성형 폼, 폴리우레탄을 사용하지 않아 비용이 절감될 뿐만 아니라 3kg밖에 되지 않아 가벼운 것이 특징이다. 내가 지향하는 가볍고 적은 양의 재료를 사용한 전형적인 프로젝트였다.

당신이 생각하는 모로소는 어떤 브랜드인가? 새롭고 매력적인 것을 찾아 실험적으로 도전하는 브랜드.

다양한 브랜드와 콜라보레이션을 진행했는데 모로소와 작업할 때는 어떤 부분을 가장 먼저 고려하나? 모로소는 텍스타일을 이용해 새로운 방식에 도전한다는 점에서 나와 같은 관심사를 가진다. 그런 의미에서 모로소는 가구 브랜드이면서 패션 브랜드이기도 한 듯하다. 모로소의 수장 파트리치아 모로소는 독특한 텍스타일을 구성하는 데 있어 나와 같은 열정을 가졌다.

텐트는 어떤 가구인가? 3D 메시 소재를 이용해 디지털 니팅 기술로 제작됐다. 의자에 사용하는 천은 이음새가 전혀 없이 단 한 장만 사용한 것이 가장 큰 특징이다. 긴 베어링 스틸 프레임을 베이스로 텐트를 치듯 패브릭을 입혔다. 100% 재생 가능한 나일론 메시와 통풍과 방수가 가능한 쿠션과 시트는 실내와 실외에서 사용 가능하다.

제작 과정에서 낭비가 전혀 없었다고 들었다. 어떤 부분이 그런가? 텐트 체어의 모든 공정은 기계로 만들어진다. 예를 들어 수공예 바느질이라든가 추가적으로 조립하는 공정이 전혀 없다. 재료를 전혀 낭비하지 않으며 여러모로 효율적이다. 200만 루프의 실을 사용해 3시간 반 정도면 제작이 가능하다. 재료 낭비와 노동력을 줄이는 큰 의미를 가진 프로젝트였다.

디자인 영감은 주로 어디에서 얻는가? 처음 시작하는 단계에서 단순히 재료를 이용해 만드는 것에 치중하지 않고 신중히 고민해서 선택하고 과학 기술을 활용한 카본 우드 등 다양한 재료를 사용하고자 한다. 먼저 문제를 파악하고 그것을 해결하기 위해 디자인하는 것이 가장 큰 영감이 분명하다.

올해 어떤 활동을 계획하고 있는가? 항공사와 관련한 니즈를 연구하고 협업을 계획하고 있다. 알루미늄 같은 가벼운 재료나 장시간의 비행으로 신체에서 느끼는 피로를 감지하는 센서 같은 것들이다. 디지털 니팅을 이용해 시팅 Seating을 만드는 것도 생각하고 있다.

지구상 가장 큰 디자인 축제 밀라노 디자인 위크에서 만난 다양한 이슈를 소개한다.

REVIEW
지난 4월 2일부터 9일까지 축복받은 화창한 날씨 속에서 성대하고 화려하게 치러진 2017 밀라노 디자인 위크를 다녀왔다. 밀라노 디자인 위크는 크게 외곽에 위치한 로 피에라 Rho Fiera 전시장에서 열리는 이 살로네 I Salone와 밀라노 시내 곳곳에서 열리는 푸오리 살로네 Fuori Salone로 나뉜다. 이탈리아 건축가 마시밀리아노 푹사스 Massimiliano Fuksas가 설계한 외계 행성 같은 21만㎡ 넘는 로 피에라 전시장에는 3000여 개가 넘는 참가 업체가 24개의 전시관에 나뉘어 전시된다. 한마디로 세계를 주도할 최고의 디자인 브랜드들이 펼치는 경연장이라고 할 수 있다. 올해는 격년으로 열리는 조명 전시회 ‘에우로 루체 Euro Luce’가 열려 LED 조명의 진화라는 큰 흐름을 볼 수 있었다. 3년 전에 비해 조명들은 대체로 심한 다이어트를 한 듯 가늘어졌고 자연을 형상화한 시적인 디자인, 여성의 주얼리나 리빙 소품처럼 디자인된 제품이 심심치 않게 눈에 띄였다. 신진 디자이너들의 등용문인 살로네 사텔리테 Salone Sattellite에서는 지난 20여 년간 사텔리테를 거쳐 디자이너로 자리매김한 이들의 작품을 전시해 그 위상을 확인하는 자리를 마련했다. 박람회장에서 발품을 팔아야 하는 바이어나 유통업체 관계자 중 상당수가 이 기간 치솟는 비싼 숙박비를 감수하며 일주일 가까이 머문다. 그 이유는 바로 밀라노 시내 구석구석에 알짜배기 구경거리인 푸오리 살로네가 있기 때문. 두오모 산 바빌라, 포르타 누오바 이솔라&브레라, 포르타 베네치아, 카도르나&티치네세, 포르타 로마나, 람브라테&센트럴 스테이션, 토르토나 포르타 제노바&나빌리 이렇게 7개의 거리에서 열리는 전시들은 개성 만점의 인테리어가 돋보여 전시 공간만 봐도 흥미로운 디자인에 대한 영감을 받을 수 있다.

거리 축제 ‘디자인 프라이드’.

가장 화제가 되었던 전시는 패션 브랜드 질 샌더 Jil Sander와 협업한 넨도 Nendo의 ‘오브젝트텍스타일 ‘Objectextile’. 물체 Object와 직물 Textile의 합성어로 만든 전시 제목에 걸맞게 픽셀, 줄무늬 등의 패턴을 이용한 아주 간단한 표현으로 시공간을 넘나드는 전시 공간을 만들었다. 이 전시를 보기 위해 2시간여를 기다린 사람도 허다했다. 어른과 아이들이 함께할 수 있는 전시도 기억에 남는다. 트리엔날레 뮤지엄에서 열린 ‘디자인 포 칠드런 Design for Children’과 패션 브랜드 마르니가 연출한 ‘마르니 플레이 랜드 Marni Play Land’는 어른들에게는 동심을 자극하고 아이들에게는 즐거운 놀이터가 되어주었다. 에르메스에서는 어린이들을 위한 벽지도 출시했으며 마지스 Magis와 카르텔 Kartell에서는 작년에 이어 올해도 어린이 가구를 선보여 키즈&키덜트 문화가 접목된 라이프스타일에 주목하는 흐름도 감지되었다. 올해는 한국 디자인의 역사에 한 획을 그었다고 해도 과언이 아니다.

넨도의 <젤리 피시>.

디자이너 마크 앙쥬의 ‘르 레퓨지’.

LG는 일본 디자이너 도쿠진 요시오카 Tokujin Yoshioka와 협업해 ‘미래의 감각’을 주제로 대형 LED로 만든 의자 설치 작품을 선보여 밀라노 디자인 위크 디자인 어워드에서 대상을 수상했다. 디자이너 김백선은 세계적인 수전 브랜드 판티니 Fantini와 협업해 먹과 벼루에서 영감을 받은 특별한 수전을 선보여 세계인들을 놀라게 했고, 에르메스와 협업한 이슬기 작가는 누비 작품을 선보였다. 또 현대 장인정신의 예술적 가치를 기념하기 위해 설립된 로에베 Loewe 재단의 크래프트 시상식에 배세진, 김상우 작가가 최종 후보자로 선정되기도 했다. 한국의 패션 아이웨어 브랜드 젠틀몬스터는 네덜란드의 가구 회사 모오이 Moooi와의 협업으로 만든 아이웨어를 웅장한 전시장에 전시해 한국에서 온 방문객들은 큰 자부심을 느낄 수 있었다. 4월의 밀라노는 언제나 많은 인파로 붐비고 발바닥에는 불이 나지만 어디에서도 보지 못하는 기상천외한 전시와 디자인은 온갖 시름도 치유될 만큼 값진 경험으로 보상해준다.

닐루파에서 선보인 ‘다니엘레이오디체’ 의자.

모오이의 퍼치 조명.